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Sinopsis: El detective de la policía local (Park Doo-man) y un detective de la policía de Seúl (Seo Tae-yoon), han sido solicitados resolver un caso de asesinato producido en Corea del Sur, 1986, en el que una joven aparece brutalmente violada y asesinada en manos de un asesino desconocido. 

Ficha técnica
Título original: Salinui chueok (Memories of Murder)
Año: 2003
Duración: 1 hr 44 min
País:  Corea del Sur
Director: Bong Joon-ho
Guion: Bong Joon-ho, Shim Sung-bo
Música: Tarô Iwashiro
Fotografía: Kim Hyeong-Gyu
Reparto: Song Kang-ho,  Kim Sang-Kyung,  Kim Roe-ha, 
Calificación: 7/10



La directora Claire Denis asegura que la idea de su más reciente película, High Life, le llegó a la mente hace más de quince años. En una entrevista sobre el proyecto, dijo que "tenía un guion que era naturalmente en inglés, porque la historia tiene lugar en el espacio y, no sé por qué, pero para mí, la gente habla inglés, o ruso o chino, pero definitivamente no francés en el espacio". En ese tiempo, escribió los primeros borradores del guion y tenía en cuenta a Philip Seymour Hoffman para el papel principal. Pero con la muerte repentina de Hoffman había desistido y buscaba a otro actor anglosajón. Más tarde, su búsqueda había terminado cuando quedó cautivada por la presencia de Robert Pattinson durante el proceso de casting. Y quizás ha sido una decisión muy acertada. Con Robert Pattinson en el rol protagónico concibe una película de ciencia ficción muy enigmática que se escapa de los convencionalismos del género y crea un personaje misterioso muy difícil de imaginar en manos de otro actor con la misma edad.

La película, que marca el debut anglosajón de Denis, me hipnotiza seriamente con la meticulosa puesta en escena y con una conceptualización que aborda temas como la paternidad vinculada al sacrificio, los enigmas de la sexualidad, la concepción de la vida y, sobre todo, la condición humana que mantiene al ser humano anclado a la supervivencia y a una autodestrucción segura. Es agobiante, sosegada, lóbrega, propensa a la violencia más terrorífica y al erotismo retorcido. Su estilo visual posee características que elaboran un rico homenaje al cine de Tarkovsky y películas como Stalker o Solaris. Se ambienta en el espacio intergaláctico en futuro lejano y trata el argumento de un padre y su hija confinados en el aislamiento más absoluto de una nave espacial mientras se dirigen a un agujero negro. Y lo narra con un protagonista interpretado con cierto magnetismo por Robert Pattinson. Con Monte, junto a otros secundarios interpretados por Juliette Binoche, Mia Goth y André Benjamin, Denis emplea el racconto intrusivo y prolongado para relatar los orígenes de los personajes y el propósito de la misión, cosa que rápidamente me absorbe con las revelaciones inesperadas. 

Willow (Scarlette Lindsey) y Monte (Robert Pattinson) en el jardín de la nave. Imagen cortesía de A24.

Con una narrativa que rechaza los tapujos de la linealidad, la película comienza en las profundidades del cosmo, donde seguimos a un cosmonauta llamado Monte (Robert Pattinson) que realiza tareas de mantenimiento mientras intenta calmar a una bebé que lloriquea fuertemente. Aquella bebita es la hija de Monte y se llama Willow (Scarlette Lindsey como bebé Willow; Jessie Ross como Willow adolescente). Están encerrados en una nave gigantesca, en la que sobran los pasillos iluminados de luces de neón y salas repletas de computadoras y botones. Tienen un pequeño jardín, de los que Monte obtiene los alimentos que necesita para alimentar a Willow. Ellos aparentemente se encuentran en dirección a un agujero negro y son los únicos supervivientes de la cuadrilla. Poco se sabe del equipo hasta que, mediante flashbacks, Monte empieza a recordar el pasado que revela su historial criminal, junto con los otros pasajeros a bordo. Son un grupo de condenados a muerte que han sido utilizados por el gobierno como conejillos de india para formar parte de un experimento científico que tiene la exclusiva labor de lanzarlos hacia un agujero negro cercano al sistema solar para investigar cómo funcionan.

Boyse (Mia Goth) en un fotograma de la película. Imagen cortesía de A24.

Denis encuadra a los personajes como seres atrapados en una cárcel: la nave (que lleva el número siete de la suerte). La nave en este caso metaforiza el planeta Tierra. Y todos ellos, quienes están vestidos de un rojo que evoca maldad, conforman una agrupación multicultural (rasgo usual en el cine de la cineasta), representan a los humanos que la habitan y que se autodestruyen lentamente cuando enloquecen y se dejan seducir por las necesidades más primitivas. Logra escenas perturbadoras de gente que, poco a poco, se pierde en la desesperación, en la soledad, en el insoportable vacío, donde no faltan los experimentos bizarros sobre la sexualidad humana, la preservación de la especie, la importancia de los ecosistemas que permiten la subsistencia, los cuerpos de los astronautas que se pierden en la oscuridad del espacio. Suceden cosas insólitas, como el hecho de que la nave está equipada con The Fuckbox (la caja de follar), un extraño dispositivo utilizado obsesivamente por la tripulación para practicar el onanismo porque el sexo se ha prohibido (la escena de Binoche montada en la máquina es sensual y muy poética). Toman un líquido que parece extraído de las muestras de orina que toma la peligrosa doctora Dibs (Juliette Binoche), quien también utiliza el semen de los hombres para llevar a cabo un procedimiento de inseminación artificial en las mujeres mientras todos duermen. Aunque al final todos mueren brutalmente por el angustioso efecto de reclusión, Monte es el único con las cualidades genéticas necesarias para subsistir. 

Dibs (Juliette Binoche) y Monte (Robert Pattinson). Imagen cortesía de A24.

Pattinson, en su primera colaboración con Denis (ya se hallan preparando la siguiente película), consigue una interpretación verdaderamente cautivadora cuando se pone en la piel del astronauta que debe lidiar con un pasado maldito y las responsabilidades de ser un padre en un clima tan inhóspito como el del espacio exterior. Se siente muy genuino cuando se ríe, cuando reflexiona o cuando estalla de ira por situaciones escabrosas. Preserva una mirada extraña que resulta muy hipnótica cuando Denis lo encuadra en un primer plano, trasmitiendo sensaciones que transitan por la serenidad, lo imperturbable y lo introspectivo (la película se narra desde su punto de vista). Convierte a Monte en un personaje que funciona como una balanza moral, alguien que junto con su hija representa la redención y la esperanza de toda la humanidad porque se niegan a perder la suya. Es una de sus mejores actuaciones como actor. 

Willow (Jessie Ross) y Monte (Robert Pattinson) acercándose al agujero negro. Imagen cortesía de A24.

La película supone la primera incursión de la realizadora francesa al género de la ciencia ficción minimalista, algo que le da un giro de 360 grados a una filmografía que incluye títulos como Viernes noche, 35 tragos de ron y Un bello sol interior. Pero sin renunciar a los ademanes de identidad que componen su estilismo y los significados que están al servicio de la abstracción vocacional, donde la deshumanización y los fluidos líquidos como el esperma y la sangre esmaltan los pasadizos de una nave espacial muy oscura. Está estructurada con planos muy interesantes que comunican emociones diversas, una secuencia asombrosa que pone mi imaginación a volar al presenciar la espaguetificación de una astronauta que es devorada por un agujero negro y un clímax muy metafórico en el que la singularidad de un agujero negro simboliza el futuro incierto de la humanidad. Se destaca también una banda sonora que aporta estridencia a la atmósfera opresiva que se presenta en las entrañas de la nave. Aunque me sé de memoria algunos de los mecanismos del género que emplea Denis, no deja de resultarme provocativa. Es un viaje sensorial de ciencia-ficción, uno que es existencial, lúbrico y muy estimulante.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 53 min
País:  Francia
Director: Claire Denis
Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox
Música: Stuart Staples, Tindersticks
Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk
Reparto: Robert Pattinson,  Juliette Binoche,  Mia Goth,  André Benjamin,
Calificación: 7/10





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Siempre he creído que las galerías de arte son lugares muy interesantes. Conceden la libertad que los artistas necesitan para que puedan ser descubiertos y que sus obras sean expuestas ante un público amplio que los juzga mediante la observación. Uno va allí, camina por los pasillos, se codea con gente que supuestamente comparte el mismo gusto personal por el arte y disfruta apreciando las exhibiciones individuales o colectivas de pintores que, estando a las órdenes de los galeristas, esperan vender algún cuadro en su corta vida para entrar en el panteón de los grandes y no caer en el olvido absoluto. Y todo queda muy bonito y elegante por fuera, iluminado por la gallardía de los cuadros que adornan cada rincón de los corredores. Sin embargo, detrás de las cortinas se sostienen condiciones tan rígidas de valoración que simplemente se estrangula la ilusión de cualquier creador que desee acercarse. Es una cultura que establece como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus términos limítrofes. En cada evento, suceden negocios bien turbios que desvalorizan la obra de arte y reducen al autor a una mera cifra comercial al servicio de la codicia.

Dan Gilroy, director de películas como la retorcida Nightcrawler y la insulsa Roman J. Israel, Esq., se propone abordar esa crónica de los vicios del galerismo en su nueva película titulada Velvet Buzzsaw. Y me resulta insólito y algo sorpresivo porque muchas veces he reflexionado sobre esa parte oscura de la industria del arte que, en ocasiones, pasa desapercibida. La esboza como una sátira sobre el mundo del comercio del arte y de las creaciones que son arrojadas al mercado de la competitividad agresiva y del dinero fácil, de la muchedumbre kitsch que habita las exposiciones para exhibir su frivolidad debajo de una máscara de hipocresía, de los que fingen un falsificado amor por el arte para alimentar la egolatría, presentado con un reparto de coral encabezado por Jake Gyllenhaal y René Russo (repitiendo con él desde su debut como director). También con una equilibrada dosis de terror psicológico que añade cierto nivel de sofisticación a las fórmulas esquemáticas del género, poniendo a los protagonistas a sufrir como víctimas en un denso aparato de delirios sangrientos desatado por un espectro inusitado. 

Rhodora Haze (Rene Russo) y Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de la película Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

La historia de la película se ambienta en el sector del arte en la ciudad de Los Ángeles y narra las vicisitudes de unos personajes muy peculiares. Comienza en una exhibición de arte en Miami en la que seguimos al crítico de arte Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) cuando escanea con su ojo crítico los productos que son exhibidos allí. Morf es un hombre petimetre que usa su reputación para juzgar el destino de los trabajos artísticos. Y todos le temen a su criterio. En ese espacio, Morf se encuentra con Josephina (Zawe Ashton), una joven de acento británico que trabaja como asistente de una galerista muy reconocida y, también, con Rhodora Haze (René Russo), la apática dueña de una galería de arte. Luego con Gretchen (Toni Collette), una consejera de arte codiciosa que hace lo que sea para adquirir tablas valiosas y exponerlas en los museos de arte contemporáneo. Morf tiene una relación Josephina y trata de calmarla una vez que Rhodora la amenaza con arrebatarle su puesto laboral si no aumenta su desempeño.

Lo que Morf desconoce es que, días antes, Josephina se encontró por accidente una colección de pinturas en el edificio donde vive, pertenecientes a un viejo artista que, al fallecer, había expresado el deseo de que fuesen destruidas, algo que ella ve como una oportunidad para exhibirlas en la pinacoteca de Rhodora y enriquecerse con la venta. Las pinturas tienen una enigmática expresividad que hipnotiza a todos los individuos que la observan. Aunque los ejemplares consiguen la admiración de los espectadores, asimismo desatan una siniestra fuerza sobrenatural que intenta destruir la existencia de todos ellos.  

Josephina (Zawe Ashton) y Morf (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

Este collage de personalidades, interpretados por unos actores de primera categoría, son los sospechosos habituales del microcosmo del arte contemporáneo. Morf es el crítico de arte con un prestigio intachable y armado hasta los dientes de adjetivos para evaluar los paneles, sin importarle en lo más mínimo si las palabras de sus artículos hieren la sensibilidad del artista que ha pasado tanto trabajo para crear una obra. Se muestra como un individuo narcisista, frívolo, con una predilección por la prepotencia y el perfeccionismo. Josephina es la colaboradora de la galerista que sucumbe ante el oportunismo porque lo único que desea es probar el éxito y las riquezas que provee la parcela del arte. Es por esa razón que roba las pinturas y forja un trato con Rhodora, entregándoselas con el fin de obtener un beneficio una vez que se comercialicen. Rhodora, en cambio, es la galerista ambiciosa que entregaría su alma al diablo con tal de que las colecciones sean vendidas a los clientes; ostenta una posición de poder y la utiliza para monopolizarlo todo, subastar los bosquejos a precios exorbitantes y garantizar así la fortuna de otros artistas como Piers (John Malkovich) y Damrish (Daveed Diggs), quienes se niegan a participar en los comercios nebulosos de los galeristas para dedicar toda su pasión al oficio.

Aunque no todas las piezas preservan la misma consistencia, los personajes que veo son sólidos y muy complejos. Me cautivan cuando sus obsesiones son reveladas, como si se tratara de un retrato que refleja las miserias de los vividores que transitan por el orbe del galerismo y que repudian los sacrificios de los autores. Un mosaico de figuras vacías que prolonga el ciclo de cosificación del arte dentro de una burbuja económica y manipulan a su antojo a los artistas que dejan su creatividad detrás del lienzo. Son personas que descubren el significado del miedo y la inseguridad a través del espíritu torturado de un pintor que se revela contra la superficialidad y la ruindad de aquellos que se interponen en el camino del arte. Todos ellos, exceptuando  Piers y Damrish, son víctimas de la venganza programada del arte de Vetril Dease (personaje basado en la biografía del ilustrador marginal Henry Darger), el cual regresa para asesinarlos utilizando los trabajos de arte por los que ellos han sentido algún tipo de vilipendio.

Josephina (Zawe Ashton) horrorizada en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

Gilroy, quien también ha firmado el guion, elabora la puesta en escena con un tratamiento estético que adorna los interiores por los que circulan los protagonistas, manteniendo en cada plano un equilibrio apropiado entre la belleza compositiva y la violencia estilizada, con colores impávidos que notifican la frialdad aparente de todos ellos. Logra secuencias impactantes, como la de Gretchen desangrándose frente a una escultura esférica, o la de Josephina con las láminas que salen de los cubículos con la intención de pintarla hasta ahogarla en un colorido mural. Sus personajes estimulan mis sentidos, son provocativos, especialmente el articulista Morf Vandewalt que interpreta el meticuloso Jake Gyllenhaal (una especie de parodia a la figura del crítico universal) y la magnética galerista interpretada por Zawe Ashton que, siendo desconocida para mí, estampa un rol de mucha intensidad que en ningún momento me permite quitarle los ojos de encima. Curiosamente en algunas escenas se aferra al sobreencuadre y al contraplano para construir planos subjetivos desde la óptica de los frescos que cuelgan de la pared, como si se tratase de objetos que contemplan a los observadores.

Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

La película es estimulante cuando encuadra su crítica de los esnobistas del arte que están a merced de una represalia taumatúrgica, en un rompecabezas que maneja los mecanismos del horror supernatural y el slasher más recóndito para comunicar metáforas sobre la naturaleza de un arte que, como acto de invención humano, preserva su esencia en la eternidad, hallándose por encima de la descomposición moral y de cualquier avaricia corporativista. Posee diálogos sutiles, un ritmo que es constante, una química maravillosa del reparto y una artificialidad calculada que se corresponde correctamente con las frivolidades del mundillo del arte que se describe en la trama. Encierra una ambigüedad que la hace impredecible. Se trata de un regreso formal del señor Gilroy. Su concepto sobre los marchantes del arte es original, pesadillesco, escalofriante. Está ejecutada con un estilismo que me entretiene, caigo rendido inmundamente ante los efectos de su locura.

Ficha técnica
Año: 2019
Duración: 1 hr 53 min
País:  Estados Unidos
Director: Dan Gilroy
Guion: Dan Gilroy
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Jake Gyllenhaal,  René Russo,  Zawe Ashton,  Toni Collette,  John Malkovich, Tom Sturridge,
Calificación: 7/10





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Sinopsis: En St. Robin, Francia, la paz del pueblo comienza a perturbarse cuando, el Dr. Rémy Germain (Pierre Fresnay), comienza a recibir anónimos firmados como El Cuervo, en los que se le exige que rompa su relación con Laura Vorzet (Micheline Francey), esposa del psiquiatra (Pierre Larquey) de la misma institución. Pronto, las misivas comienzan a señalar las faltas de muchos otros personajes del pueblo y se vuelve urgente descubrir quien está detrás de esta conspiración.

Ficha técnica
Título original: Le corbeau
Año: 1943
Duración: 1 hr 32 min
País:  Francia
Director: Henri-Georges Clouzot
Guion: Louis Chavance, H.G. Clouzot
Música: Tony Aubin
Fotografía: Nicolas Hayer
Reparto: Pierre Fresnay,  Ginette LeClerc,  Micheline Francey,  Pierre Larquey
Calificación: 7/10


Crítica breve de la película

No creo que esta película de Henri-Georges Clouzot (con la que fue expulsado de Francia hasta 1947) esté a la altura de obras cumbres de su filmografía como 'La verdad', 'El salario del miedo' y la extraordinaria 'Las diabólicas', pero me intriga fuertemente durante hora y media con la trama de la figura anónima, apodada como El cuervo, que envía cartas muy malévolas con la intención de atormentar a un pequeño pueblo francés en el que la moral se ha corrompido por los tiempos de la guerra. El pueblo es presentado a través del doctor Germain, un médico con un pasado escabroso (antes practicaba abortos ilegales) actualmente llega al pueblo a trabajar y a mantener una relación con Laura Vorzet, la esposa de un reputado psiquiatra, y, con la neurótica Denise. Hay planos interesantes, travellings sutiles y elipsis simbólicas que anuncian la tragedia. Con un pulso estupendo para el suspense y el misterio al mejor estilo de Agatha Christie, en cada escena me siento inmerso en la paranoia local y en el pánico desatado por las cartas que envía El cuervo y por el amplio catálogo de sospechosos que me mantienen pensando en el posible culpable. Clouzot construye un argumento afilado como una navaja, oscuro, tenso, propenso a enunciar temas como el adulterio, los prejuicios y las calumnias, en un poblado en el que todos los habitantes parecen ocultar algo. Cuenta con sólidas actuaciones de Pierre Fresnay (qué presencia tan magnética) y, Ginette Leclerc y Micheline Francey y un trabajo de montaje que pocas veces pierde el ritmo y la cohesión narrativa. La secuencia final me asombra y toma por sorpresa. Es una buena película del director catalogado como el "Hitchcock francés".
Sinopsis: Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un joven y brillante abogado que nunca ha perdido un caso. Vive en Florida y es feliz junto a su esposa Mary Ann (Charlize Theron). Un día, recibe la visita de un abogado de Nueva York que representa a un poderoso bufete que tiene la intención de contratarlo. Al frente de la prestigiosa empresa se encuentra John Milton (Al Pacino), un hombre mundano, brillante y carismático, que alberga planes muy oscuros con respecto a Lomax.

Ficha técnica
Título original: The Devil's Advocate
Año: 1997
Duración: 2 hr 24 min
País: Estados Unidos
Director: Taylor Hackford
Guion: Jonathan Lemkin, Tony Gilroy
Música: James Newton Howard
Fotografía: Andrzej Bartkowiak
Reparto: Keanu Reeves,  Al Pacino,  Charlize Theron,  Jeffrey Jones,  Judith Ivey,  Debra Monk, Craig T. Nelson,  Connie Nielsen,
Calificación: 7/10
Sinopsis: Después de pasar la noche con un presunto terrorista, la tranquila y ordenada vida de Katharina Blum queda completamente destruida. Como sospechosa, se convierte en víctima de una cruel campaña difamatoria de la policía y de un despiadado periodista sensacionalista, situación que pone a prueba los límites de su dignidad y de su cordura.

Ficha técnica
Título original: The Lost Honor of Katharina Blum (Die Verlorene Ehre der Katharina Blum)
Año: 1975
Duración: 1 hr 45 min
País: Alemania
Director: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta
Guion: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta
Música: Hans Werner Henze
Fotografía: Jost Vacano
Reparto: Angela Winkler, Mario Adorf, Dieter Laser, Jürgen Prochnow, Heinz Bennent
Calificación: 8/10

Crítica breve de la película 

No hay ni un solo minuto en el que no permanezca atado a mi asiento con esta película de Schlöndorff y Von Trotta (debutando como directora), adaptada de la novela homónima Heinrich Böll. El material que expone y que veo con tanto entusiasmo me parece escueto y perturbador cuando construye una tesis muy aguda sobre el poder mediático que está al servicio de las falacias y los hechos distorsionados, el periodismo amarillo inescrupuloso manchado de hipocresía, la libertad de prensa del individuo honesto, la ineptitud policial de primer orden, la invasión de la privacidad. El texto es tan relevante como nunca en el día de hoy. Lo modela con la historia de una pobre mujer, Katharina Blum, cuando pasa una noche con un terrorista y al amanecer se encuentra bombardeada por una campaña difamatoria desatada por la prensa sensacionalista y policías con delirios de conspiración, en tiempos muy difíciles en el orbe sociopolítico alemán. Allí ella es parte del abuso emocional causado por la policía, de los prejuicios provocados por el periódico, de la corrupción política minada en un entorno burgués, de una cordura que empieza a traicionarla. La interpretación de Angela Winkler como Katharina Blum es excelente cuando imprime con autenticidad sensaciones que divagan entre la angustia, la culpa, la impotencia y el disgusto. Destaco también el uso casi voyeurista del plano subjetivo, el sobreencuadre, el primer plano utilizado para comunicar verdades y el montaje rítmico que produce un estilo visual cercano al documental. Es una película que me ha fascinado, una joya formidable del nuevo cine alemán.
Sinopsis: David Locke (Jack Nicholson) es un desilusionado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas internacionales que facilitan la implantación de regímenes dictatoriales en algunos países africanos, lo que le hará vivir situaciones muy arriesgadas. 

Ficha técnica
Título original: The Passenger (Professione: reporter)
Año: 1975
Duración: 2 hr 01 min
País: Estados Unidos
Director: Michelangelo Antonioni
Guion: Mark Peploe, Michelangelo Antonioni, Peter Wollen
Música: Ivan Vandor
Fotografía: Luciano Tovoli
Reparto: Jack Nicholson,  María Schneider,  Jenny Runacre,  Ian Hendry, 
Calificación: 8/10

Crítica breve de la película 

Esta película de Antonioni tiene una cualidad hipnótica que despierta en mi interior reflexiones profundas con la historia del periodista desilusionado que ha sido testigo del costo humano de la guerra a través de los documentales que filma. Presenta un estudio sobre el ostracismo, la identidad y la alienación. El halo nihilista del protagonista, ilustrado al desaparecer suplantando la identidad del muerto, forma una parábola poderosa sobre la imposibilidad de escapar de la estructuras sociales y de la deshumanización provocada por los asuntos políticos más soeces. Me asombro con las magníficas actuaciones de Jack Nicholson y Maria Schneider. Quedo extasiado por el riguroso empleo del sobreencuadre, el reencuadre, el fuera de campo, el sonido diegético y los prodigiosos colores. No hay ni una escena que no me parezca grandiosa. El plano secuencia del final está elaborado con una maestría tal que, como pasajero del film, casi salto del asiento. Es una película memorable de la que voy a pensar durante mucho tiempo.
Sinopsis: Junta es una chica que vive sola en un monte en cuya cumbre brilla una luz azul por las noches. Los habitantes del pueblo, temerosos de esa luz, rechazan a Junta y la tachan de bruja. Sólo un visitante no hace caso de los supersticiosos y decide acercarse a la joven; los dos se sienten mutuamente atraídos.

Ficha técnica
Título original: The Blue Light (Das Blaue Licht)
Año: 1932
Duración: 1 hr 25 min
País: Alemania
Director: Leni Riefenstahl, Béla Balázs
Guion: Béla Balázs, Leni Riefenstahl
Música: Giuseppe Becce
Fotografía: Hans Schneeberger, Heinz von Jaworsky
Reparto: Leni Riefenstahl, Mathias Wieman, Beni Führer
Calificación: 7/10


Crítica breve de la película

Esta película alemana de Riefenstahl, en su debut como directora junto a Béla Balázs, me conmueve con la historia de Junta (interpretada por la misma directora), la campesina inocente que representa una parábola hermosa sobre la mujer que intenta emanciparse de la decadencia moral y que lo demuestra simbólicamente al escalar, una y otra vez, una montaña, cuya cima, atestada de diamantes, es inalcanzable para los hombres más ambiciosos de un pueblo sumido en el ostracismo. Para Riefenstahl el hombre es la perdición de la mujer, sobre todo cuando la codicia se interpone a los sentimientos más humanos. Noto, asimismo, cierta fuerza en el montaje y en el cuidado compositivo del primer plano y del gran plano general. Es una película trágica y muy cautivadora.


Mira la película completa 


Sinopsis: Cuando hace una entrega, Jongsu (Yoo), un joven mensajero, se encuentra por casualidad con Haemi (Jun), una chica que vivía en su vecindario. La joven le pide que cuide a su gato durante un viaje a África. A su regreso, Haemi le presenta a Ben (Yeun), un joven misterioso y con dinero que conoció allí. Un día, Ben revela a Jongsu un pasatiempo muy extraño.

Ficha técnica
Título original: Beoning
Año: 2018
Duración: 2 hr 28 min
País: Corea del Sur
Director: Chang-dong Lee
Guion: Lee Chang-dong, Jungmi Oh
Música: Mowg
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto:  Yoo Ah-In,  Steven Yeun, Jong-seo Jun,  Gang Dong-won,
Calificación: 7/10
Sinopsis: Alice (Madeline Brewer) es una cam girl que trabaja en una website para adultos y que intenta mantener su vida privada al margen. Un día, cuando intenta loguearse, descubre que alguien está utilizando su perfil: una réplica exacta de ella misma.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 34 min
País: Estados Unidos
Director: Daniel Goldhaber
Guion: Isa Mazzei
Música: Gavin Brivik
Fotografía:  Katelin Arizmendi
Reparto:  Madeline Brewer, Samantha Robinson, Patch Darragh
Calificación: 7/10
Sinopsis: Una exploración de la memoria de una mujer cuando ésta se ve obligada a revaluar su primera relación sexual y sus historias basadas en el autoengaño.

Ficha técnica
Título original: The Tale
Año: 2018
Duración: 1 hr 54 min
País: Estados Unidos
Director: Jennifer Fox
Guion: Jennifer Fox
Música: Ariel Marx
Fotografía:  Denis Lenoir, Ivan Strasburg
Reparto:  Laura Dern, Isabelle Nelisse, Elizabeth Debicki, Ellen Burstyn
Calificación: 7/10
Sinopsis: Después de que la hija de 16 años de David Kim desaparece, se abre una investigación policial. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija. David debe rastrear las huellas digitales de su hija antes de que desaparezca para siempre.

Ficha técnica
Título original: Searching
Año: 2018
Duración: 1 hr 42 min
País: Estados Unidos
Director: Aneesh Chaganty
Guion: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian
Música: Torin Borrowdale
Fotografía: Juan Sebastian Baron
Reparto:  John Cho,  Debra Messing,  Joseph Lee,  Michelle La,  Sara Sohn
Calificación: 7/10
Sinopsis: La percepción de la realidad de una actriz (Laura Dern) se va distorsionando cada vez más. Al mismo tiempo descubre que, quizá, se está enamorando de su partenaire (Justin Theroux) en un remake polaco inconcluso y supuestamente maldito.

Ficha técnica
Título original: Inland Empire
Año: 2006
Duración: 3 hr 00 min
País: Estados Unidos
Director: David Lynch
Guion: David Lynch
Música: David Lynch
Fotografía: David Lynch, Odd Geir Sæther
Reparto: Laura Dern,  Justin Theroux,  Harry Dean Stanton,  Grace Zabriskie,  Jeremy Irons,
Calificación: 7/10
Sinopsis: En un país centroeuropeo, el tren Transcontinental Express sufre un gran retraso a causa del mal tiempo. Los pasajeros pernoctan en un pequeño hotel, donde Iris Henderson entabla conversación con una vieja institutriz inglesa, la señora Froy. Poco después de reanudar el viaje, Iris se da cuenta de la desaparición de la anciana, pero los demás pasajeros afirman que su amiga no existe y que ella ha sufrido una alucinación.

Ficha técnica
Título original: The Lady VanishesAño: 1938
Duración: 1 hr 36 min
País: Reino Unido
Director: Alfred Hitchcock
Guion: Sidney Gilliat, Frank Launder
Música: 
Louis Levy
Fotografía: Jack Cox
Reparto: Margaret Lockwood,  Michael Redgrave,  Dame May Whitty,  Paul Lukas, Basil Radford,  Naunton Wayne,  Cecil Parker
Calificación: 7/10
Sinopsis: Una mujer afligida que vive en una comunidad aislada está atrapada entre el control de su opresiva familia y la atracción que siente por un misterioso forastero sospechoso de haber llevado a cabo una serie de brutales asesinatos. 

Ficha técnica
Título original: BeastAño: 2017
Duración: 1 hr 47 min
País: Reino Unido
Director: Michael Pearce
Guion: Michael Pearce
Música: 
Fotografía: Benjamin Kracun
Reparto: Johnny Flynn,  Geraldine James,  Jessie Buckley,
Calificación: 7/10
La época en la que vivimos ha manufacturado una serie de individuos obsesionados por los hábitos de las personas que siguen en las redes sociales, o en cualquier otro de medio tecnológico, quienes fácilmente se crean falsas expectativas de alguien; una imagen ilusoria producida por lo que ve en la superficie del perfil de esa persona y no por lo que verdaderamente es. En consecuencia, puede que algunos realicen esta acción con algo de ingenuidad, pero otros pueden trasladar su actividad al terreno de lo criminal y pueden afectar a la víctima hostigada. La realidad y el fantaseo colisionan. Y la cordura de la víctima se retuerce por causa de los extremos a los que llega el victimario que busca fisgonear con segundas intenciones. Nada es igual cuando la obsesión deja ciega a esta especie excesivamente acosadora conocida como “stalkers”.

Estos temas provocadores forman parte de lo que Steven Soderbergh quiere narrar en su nueva película, Unsane, un thriller psicológico que, además de ser un experimento, consigue que la intriga me deje tan perturbado como la protagonista. El tratamiento formal de Soderbergh, revelado por la destreza de filmarla con la cámara de un iPhone 7 Plus, construye la proeza visual de la película con fiereza, como un material crudo, encontrado, en el que la ambigüedad de ciertos planos me sumergen en el halo de peligro y claustrofobia que acecha a la muchacha acosada por sus temores y por el supuesto “stalker” que no la deja en paz porque no tiene otra cosa más que ser un psicópata de facto para que la historia tenga cierta coherencia.

Aunque el argumento de la película es simple, la protagonista, Sawyer Valentini, interpretada con bravura por Claire Foy, logra que uno se olvide de cualquier simplicidad por todos los problemas que tiene como una mujer encerrada en el manicomio del miedo donde se ha prohibido estar cuerdo. Es una mujer solitaria, de buen vestir y un poco egoísta. Ella ha salido corriendo de la ciudad en la que vivía porque piensa que un hombre, David Strine (Joshua Leonard), la ha estado “stalkeando” por mucho tiempo. Poco se sabe si el tal David existe, o si es el resultado de un trauma del pasado, pero lo cierto es que ha olvidado el incidente y ahora disfruta de su nuevo empleo en la ciudad en la que se ha mudado.

En un principio, Sawyer no sabe nada de esto porque la trama la trata bien para ocultar las sorpresas. Pero en una escena en la que coquetea en el bar con un hombre que conoce en una cita a ciegas por Internet, termina en su casa en un encuentro sexual que se transforma en pesadilla: observa que su pareja se convierte en su antiguo perseguidor, por lo que decide internarse en una institución psiquiátrica para que su inseparable amiga, la terapia, le ratifique que no está loca.

La naturaleza ciclotímica de Sawyer empieza a alterarse por el trato que recibe en este centro psiquiátrico que parece un cementerio, o la casa sombría de alguien que no ha visto la luz del sol en muchos años. Se torna violenta, malhablada y paranoica. Allí hace amigos, pero también enemigos. Y se complica aún más porque piensa que David, el “stalker”, se hace pasar por un enfermero del hospital. Pero, ¿es real o es producto de su mente? Es una ambigüedad que Soderbergh tiene muy clara por la manera novedosa de usar el encuadre para reforzar la subjetividad de la protagonista. Lo que ella piensa y percibe es lo que yo veo. Y es posible que se haya imaginado toda la trama de David, pero también es muy probable que haya sucedido por el estrés postraumático que le ha causado la situación.

Con claras referencias a películas clásicas similares como The Snake Pit (1948), de Litvak, y Shock Corridor (1963), de Fuller, Soderbergh utiliza el sanatorio mental como la metáfora de una sociedad en la que la mujer está siendo oprimida y manipulada por el hombre megalómano y lucha por escapar de la prisión del acoso sexual, pero no sin antes sufrir las consecuencias de su lucha. Liberarse de los prejuicios es la única opción. Su película es retorcida, siniestra, cercana al terror de serie B, un ejercicio de género de suspenso psicológico que me deja tan alienado como su protagonista kafkiana.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 38 min
País: Estados Unidos
Director: Steven Soderbergh
Guion: James Greer, Jonathan Bernstein
Música: David Wilder Savage
Fotografía: Peter Andrews
Reparto: Claire Foy, Juno Temple, Aimee Mullins, Jay Pharoah, Joshua Leonard

Calificación

7/10


Sinopsis: Una joven perseguida por un acosador es recluida contra su voluntad en una institución mental donde se ha de enfrentar a su mayor temor, pero ¿es real o es producto de sus delirios?...


Sinopsis:  Una pareja que atraviesa un divorcio debe aunar fuerzas para encontrar a su hijo, desaparecido tras una de sus peleas.

Ficha técnica
Título original: Loveless (Nelyubov) 
Año: 2017
Duración: 2 hr 07 min
País: Rusia 
Director:  Andrey Zvyagintsev
Guion: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin
Música:  Evgueni Galperine
Fotografía:  Mikhail Krichman
Reparto:  Maryana Spivak, Aleksey Rozin, Matvey Novikov,
Calificación: 7/10
Sinopsis: Un asesinato abre un camino sombrío de secretos enterrados y corrupción en una pequeña ciudad para un detective de policía agotado y su escuadrón.

Ficha técnica
Título original: Jar City (Mýrin)
Año: 2006
Duración: 1 hr 33 min
País: Islandia
Director: Baltasar Kormákur
Guion: Arnaldur Indriðason, Baltasar Kormákur
Música: Mugison
Fotografía: Bergsteinn Björgúlfsson
Reparto: Ingvar Eggert Sigurðsson,  Ágústa Eva Erlendsdóttir,
Calificación: 7/10

Sinopsis: El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente.

Ficha técnica

Título original: The Third Murder (Sandome no satsujin)Año: 2017
Duración: 2 hr 04 min
País: Japón
Director: Hirokazu Koreeda
Guion: Hirokazu Koreeda
Música: Ludovico Einaudi
Fotografía: Mikiya Takimoto
Reparto: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose,
Calificación: 7/10
Sinopsis: Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, es un tipo solitario que dedica su tiempo a intentar salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada.

Ficha técnica
Título original: You Were Never Really Here
Año: 2017
Duración: 1 hr 29 min
País: Reino Unido
Director: Lynne Ramsay
Guion: Lynne Ramsay
Música: Jonny Greenwood
Fotografía: Thomas Townend
Reparto: Joaquin Phoenix,  Alessandro Nivola,  John Doman,Ekaterina Samsonov
Calificación: 7/10