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Sinopsis:  Mike Hagen es un periodista deportivo y Marilla Brown Hagen, una diseñadora de moda de éxito. A pesar de que pertenecen a mundos muy distintos, tras una breve y apasionada relación se casan. Poco después de la boda, la convivencia provocará conflictos que ponen de manifiesto las enormes diferencias que existen entre ellos.

Ficha técnica
Título original: Designing Woman
Año: 1978
Duración: 2 hr 07 min
País:  Estados Unidos
Director: Vincente Minnelli
Guion: George Wells
Música: Andre Previn
Fotografía: John Alton
Reparto: Gregory Peck,  Lauren Bacall,  Dolores Gray,  Tom Helmore
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Esta comedia romántica de Minnelli me resulta muy placentera cuando trata a fondo la crisis conyugal entre un periodista deportivo y una diseñadora de moda. La protagoniza Gregory Peck y Lauren Bacall, y ambos están maravillosos cuando los personajes que interpretan se ven implicados en unos conflictos maritales bien gordos que los ponen a divagar entre las mentiras piadosas, los celos más impertinentes y las enormes diferencias que ponen al matrimonio en jaque. En la cotidianidad de ellos se pone de manifiesto un melodrama muy apacible que disfruto enormemente con el estilo visual de Minnelli, en unas escenas rodadas casi en su totalidad en planos generales, de las que se extraen momentos antológicos, como la pelea de boxeo que molesta a la esposa, el desfile de moda atestado de un hedonismo que incomoda al marido, la fiesta del miércoles por la noche donde colisionan dos mundos incompatibles de la estratósfera social, los instantes de recelo en los restaurantes con mesa para cuatro donde se sospecha de un triángulo amoroso, los atrevidos números musicales que hacen alusión al cine del director, sobre todo durante la secuencia de la riña final en el callejón en la que se resuelve el problema con los puños y la danza (los bailes de Jack Cole son estupendos). Para contarlo se recurre a un sutil racconto que se narra desde la perspectiva de cuatros personajes que relatan todo con la voz en off, a lo largo de un metraje de dos horas que en pocas ocasiones pierde el ritmo. Se destaca también el ampuloso diseño de producción, el elegante vestuario, los colores que tiñen de viveza la puesta en escena. Es una película desopilante, estilosa y muy entretenida.
Sinopsis:  Luke Martin (Jon Voight) es un soldado que vuelve inválido a su hogar, paralizado de cintura para abajo. En el hospital de veteranos le atiende una voluntaria llamada Sally (Jane Fonda), esposa de un militar que combate en Vietnam. Ambos se enamoran. Cuando el marido, el capitán Bob Hyde (Bruce Dern), regresa del frente. Sally se ve forzada a elegir entre su esposo y su amante.

Ficha técnica
Título original: Coming Home
Año: 1978
Duración: 2 hr 07 min
País:  Estados Unidos
Director: Hal Ashby
Guion: Waldo Salt, Robert C. Jones, Rudy Wurlitzer, Nancy Dowd
Música: George Brand
Fotografía: Haskell Wexler
Reparto: Jon Voight,  Jane Fonda,  Bruce Dern,  Robert Carradine,  Penelope Milford,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Ashby le confiere un estilo tan enérgico a esta película, que me mantengo pegado a la pantalla como un imán durante dos horas que pasan volando. Aunque en un principio se me hace predecible por culpa de un insospechado raccord que anuncia el romance, la disfruto bastante. Se ambienta a finales de los años 60 y trata la historia de una mujer que tiene una relación extramarital muy apasionada con un veterano parapléjico que conoce mientras trabaja de voluntaria en un hospital veteranos de la guerra de Vietnam, luego de que su marido haya partido hacia la guerra para servir a su país. Los problemas que atestiguo en cada escena me importan y me conmueven, sobre todo cuando se presenta al veterano desilusionado que se ha quedado inválido y en silla de ruedas por culpa de un patriotismo que lo ha traicionado, a la mujer que abre los ojos para darse cuenta de las cruentas consecuencias de los efectos psicológicos de la guerra en los soldados y al veterano inestable que regresa a casa con la mente bien jodida a causa del trastorno por estrés postraumático. Los personajes interpretados por Jane Fonda, Jon Voight y Bruce Dern son de tres dimensiones, atiborrados de un alcance dramático sólido y muy intenso. La puesta en escena por la que se pasean despliega una estética muy atrayente, repleta de planos interesantes que encuadran emociones diversas. Cuenta con una banda sonora maravillosa repleta de unos clásicos inolvidables que magnifican el trazo dramático de algunas escenas. El poder de la película cobra mayor fuerza cuando Ashby elabora un alegato antibélico sobre las inferencias de la deshumanización en los tiempos de la guerra, las heridas del hombre que nunca sanan.
Sinopsis: En un imaginario país, la víspera de su coronación, Rodolfo V, es secuestrado por su ambicioso hermano que desea arrebatarle el trono. Los súbditos más leales convencen a un turista, que se parece asombrosamente al rey, para que lo suplante por unas horas. Al día siguiente, se prepara una expedición para rescatar al rey, que está encerrado en el Castillo de Zenda. El turista, enamorado de una princesa de la corte, participará activamente en la lucha.

Ficha técnica
Título original: The Prisoner of Zenda
Año: 1937
Duración: 1 hr 41 min
País: Estados Unidos
Director: John Cromwell
Guion: John L. Balderston, Edward E. Rose, Wells Root
Música: Alfred Newman
Fotografía: James Wong Howe
Reparto: Ronald Colman,  Madeleine Carroll,  C. Aubrey Smith,  Raymond Massey,  Mary Astor, David Niven,  Douglas Fairbanks Jr.
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Esta producción de 1937 de Selznick, dirigida por John Cromwell, me resulta muy agradable con la historia del refinado y sofisticado caballero inglés que, gracias a su parentesco con un rey, es convencido por unos aristócratas para hacerse pasar por el verdadero y poder rescatarlo de unos malhechores de la monarquía que lo han secuestrado. Basándose en la novela homónima de Anthony Hope, es la primera versión sonora producida por Hollywood, así como la cuarta llevada al cine. Y lo que veo en esta versión es cautivador cuando elabora el discurso sobre la ética del deber, la codicia desmesurada y la sed de poder en los círculos monárquicos. En su trama me topo con artilugios narrativos que, a pesar de la simplicidad, terminan sorprendiéndome. Hay melodrama, aventura, traiciones, humor, diálogos placenteros y hasta duelos con capa y espada; presentado por unos personajes que proyectan cierto magnetismo en todas las escenas y hacen que me interese tanto por los buenos como por los malos. Cuenta con un reparto de lujo encabezado por Ronald Colman (en una estupenda y camaleónica interpretación de dos personajes), Douglas Fairbanks Jr. como un villano muy maquiavélico, Madeleine Carroll como la damisela enamoradiza y otros secundarios espléndidos como C. Aubrey Smith, Mary Astor y un joven David Niven. Su dirección de arte preserva una estética evidentemente clasicista, casi victoriana. La música de Alfred Newman es acogedora para mis oídos. También posee algunas secuencias emocionantes, como la escena de la infiltración en el castillo de Zenda y la del culminante duelo "swashbuckling" entre Ronald Colman y Douglas Fairbanks. Es una película deslumbrante, encantadora y muy entretenida.
Sinopsis: Un hombre se va a Francia tras la invasión nazi y adopta la identidad de un escritor muerto del que tiene los papeles. Atrapado en Marsella, allí conocerá a una joven que busca desesperadamente al hombre a quien ama.

Ficha técnica
Título original: Transit
Año: 2018
Duración: 1 hr 46 min
País: Alemania
Director: Christian Petzold
Guion: Christian Petzold
Música: Stefan Will
Fotografía: Hans Fromm
Reparto: Franz Rogowski,  Paula Beer,  Godehard Giese,  Lilien Batman,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Me parece inteligente y muy sobrio el tratamiento narrativo que el director alemán Christian Petzold le confiere a esta película. Tiene una atmósfera trágica, retorcida, fabulesca, como si se tratara de una pesadilla kafkiana en la que los protagonistas transitan por una especie de contemporaneidad alternativa que difumina la barrera del tiempo y el espacio para concebir un retrato atemporal de la engorrosa situación que viven los inmigrantes en el continente europeo. Ese discurso plantea, en casi todas las escenas, que la crisis migratoria se repite en varios períodos históricos junto a un sistema político (metaforizado con el fascismo) que oprime a los refugiados por su condición socioeconómica. La sofisticación que supone ese concepto se siente ingeniosa por los personajes y la historia que desarrolla. Incluso tardo un tiempo en entender lo que pasa. Con una voz en off, el melodrama cuenta el relato de un hombre que tras la invasión nazi huye hacia Marsella en Francia y adopta la identidad de un escritor fallecido del que tiene los papeles. Pero su vida se complica cuando conoce a una mujer enigmática que busca a su marido. Las actuaciones de Franz Rogowski y Paula Beer son estupendas y consiguen interpretar a unos personajes de amplio registro dramático que se mueven entre la desesperación, la intolerancia, la exclusión y los idilios imposibles. Y me intriga lo que veo. Petzold le otorga un ritmo parsimonioso, contemplativo, a un denso aparato de realismo que sostiene la aparente paradoja conceptual. Es una película escueta y muy emotiva.
Sinopsis: El profesor universitario Peter Morgan (James Stewart) se encuentra a su primo Keith (James Ellison) totalmente ebrio en un night club, por lo que tiene que avisar a su madre. Durante la espera, Peter ve cantar a Francey (Ginger Rogers) y, automáticamente, se queda prendado de ella. De forma impulsiva Peter y Francey se casan y cogen un tren para ir a ver al padre de él. Pero Peter teme la reacción de su conservadora familia y convencerá a su primo para que se haga pasar por la pareja de Francey.

Ficha técnica
Título original: Vivacious Lady 
Año: 1938
Duración: 1 hr 30 min
País: Estados Unidos
Director: George Stevens
Guion: P.J. Wolfson, Ernest Pagano
Música: Roy Webb
Fotografía: Robert De Grasse
Reparto: Ginger Rogers, James Stewart, James Ellison, Beulah Bondi, Charles Coburn
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Se me hace irresistible esta comedia romántica de George Stevens. Cuando presencio la química estupenda que hay entre James Stewart y la hermosa Ginger Rogers (ese tiempo tenían una relación detrás de cámaras) no tengo tiempo para otra cosa que no sea la historia de los protagonistas. O sea, que me engancha y me conmueve. El argumento presenta a un tímido profesor procedente de una familia muy conservadora que se enamora de una hermosa corista, en una época en la que ciertos sectores de las clases sociales más aburguesadas no toleraban semejante idilio. En los mejores momentos, me río con las ocurrencias de ellos y también me siento tocado cuando surgen los problemas desatados por su repentino romance. Hay buenos diálogos, escenas muy agradables (como la del primer beso, la de la pelea durante el baile, la de la escuela), un uso intimista del primer plano, una música muy acertada de Roy Webb, pícaras actuaciones secundarias de Charles Coburn y Beulah Bondi, y hasta una breve participación de Hattie McDaniel. Me percato de que pierde algo de ritmo cerca de la conclusión. Pero no importa. Es una película agradable sobre los prejuicios sociales y las vicisitudes del matrimonio.
Sinopsis: Leopold Dilg huye de la cárcel donde cumplía condena por incendio, y se esconde en casa de Nora, una amiga de la infancia. Pero resulta que ésta ha alquilado la casa durante el verano a Michael Lightcap, candidato al Tribunal Supremo. Dilg, que se hace pasar por el jardinero, y Nora logran convencer al magistrado de que Dilg es inocente. Entonces los tres intentan atrapar a los verdaderos delincuentes; pero, al mismo tiempo, los dos descubren que se han enamorado de Nora.

Ficha técnica
Título original: The Talk of the Town
Año: 1942
Duración: 1 hr 53 min
País: Estados Unidos
Director: George Stevens
Guion: Irwin Shaw, Sidney Buchman, Dale Van Every
Música: Frederick Hollander
Fotografía: Ted Tetzlaff
Reparto: Cary Grant, Ronald Colman, Jean Arthur
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Esta película de Stevens me produce cierto regocijo con la historia del trabajador injustamente encarcelado [por enfrentarse a la corrupción] que luego de escapar de la cárcel se esconde en la casa de una amiga que, para colmo, se la alquila a un profesor de leyes. El ritmo es irregular, pero se equilibra muy bien el drama y la comedia. En la trama hay humor, sorpresas, personajes muy agradables y un delicado triángulo amoroso que funciona adecuadamente en los momentos de mayor intensidad. En una historia así, es lo único que necesito para quedar enganchado. Se me hace irresistible la presencia del trío conformado por Cary Grant, Jean Arthur y Ronald Colman. Cuando los veo juntos, y hasta separados, disfruto de los coloquios, de las miradas que confiesan sentimientos puros, de las acciones que los llevan a evitar el peso de la ley, del riesgo que supone que los policías estén merodeando la casa. Allí, en esos instantes, me pongo a pensar en la seriedad del asunto cuando sale a la luz el discurso soterrado sobre la moralidad cívica, el poder mediático, la condición social de la clase obrera y las debilidades de esa cosa que llaman justicia. Es una película muy buena.
Sinopsis: Viernes noche: ya está, Laura lo ha empaquetado todo. Mañana se irá a vivir a casa de François. Pero esta noche sale del piso vacío, donde ya no se siente en casa, para ir a cenar con Marie y Bernard. Se encuentra paralizada en medio de un descomunal atasco porque - ya no se acordaba - hay una huelga. Pero a Laura le da igual, esta noche, aquí, en su coche, es donde se siente realmente en casa. Hace calor, pone música, nada le puede pasar. Fuera es invierno. Los peatones parecen tener prisa por volver a casa, el clamor de los claxons, nervios y agitación general excepto, un poco más allá, un hombre con chaqueta de cuero, inmóvil.

Ficha técnica
Título original: Friday Night (Vendredi Soir)
Año: 2002
Duración: 1 hr 25 min
País: Francia
Director: Claire Denis
Guion: Emmanuèle Bernheim
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Agnès Godard
Reparto: Valérie Lemercier, Vincent Lindon
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Encuentro sutil y algo sensual este drama romántico de la directora Claire Denis. Denis crea un hálito de intimismo y parquedad con la historia de una mujer y un hombre que se atraen en medio de la noche más oscura y del tránsito más caótico por las calles de Paris. El tapón es interminable. Allí se conocen y surge la atracción inevitable dentro del automóvil. Hay miradas que apaciguan al silencio, la pasión despreocupada y el amor más efímero. Y veo que queda impreso en una especie de poesía carnal que es característica del estilo formal de la directora. El empleo del plano medio corto, el primer plano, la sobreimpresión y un color rojo omnipresente, transmite las emociones intensas de la mujer estupendamente interpretada por Valérie Lemercier. Noto autenticidad en su actuación. Siento que sé lo que piensa cuando cambia la emisora, cuando toca el claxon para avanzar, cuando pone las manos sobre el volante, cuando se angustia, cuando desea llenar su vacío afectivo con este hombre misterioso que apenas conoce. En ella veo un delicado comentario sobre la independencia de la mujer. Es una buena película.
Sinopsis: Casim (Atta Yaqub), un joven escocés de origen paquistaní, es un DJ que sueña con abrir un club con su mejor amigo. Sus padres, que emigraron al Reino Unido en los años sesenta, tienen en Glasgow una tienda de comestibles y prensa. Siguiendo la tradición musulmana, han decidido que Casim se case con su prima Jasmine. Casim tiene dos hermanas: Ruksana, la mayor, está prometida a un un joven del agrado de sus padres. Tahara, la pequeña, de carácter rebelde, está terminando sus estudios en un instituto católico, donde Roisin (Eva Birthistle) es su profesora de música. Cuando Casim y Roisin se conocen, se sienten atraídos, pero mantienen su relación en secreto, pues las diferencias religiosas y culturales son un obstáculo insalvable para la familia de Casim.

Ficha técnica
Título original: Ae Fond Kiss...
Año: 2004
Duración: 1 hr 44 min
País: Reino Unido
Director: Ken Loach
Guion: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Atta Yaqub,  Eva Birthistle,  Ahmad Riaz
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Este drama romántico del veterano Ken Loach atraviesa todo mi sistema límbico y me cautiva con la historia del joven escocés de origen paquistaní que se enamora de una profesora irlandesa de música. Con los problemas de ellos, el argumento, firmado con guion de Paul Laverty, entreteje un estudio muy cauteloso sobre los prejuicios étnicos, las diferencias culturales, la intolerancia religiosa y el tradicionalismo más ortodoxo que se resiste a los cambios interculturales de la sociedad. Siento que sus dilemas me pertenecen. Soy su acompañante en todas las escenas. Y disfruto ser testigo de los altercados familiares y de su relación de pareja. Hay intimismo, actuaciones que se sienten de carne y hueso, un drama muy orgánico y pinceladas breves del provocador realismo social que brota del estilo de este director que siempre proyecta algo interesante que me pone a reflexionar. El montaje es correcto, la música es acertada y el final feliz tiene una coherencia textual innegable. Es una película sencilla, entretenida y muy humana.
Sinopsis: En el Tokio de 1885, Kikunosuke Onoue, hijo de un prestigioso actor, descubre desolado que es aplaudido únicamente por ser el heredero de su padre y que, en realidad, el público se mofa de sus interpretaciones. La única persona que se atreve a ser sincera con él es Otoku, la niñera de los hijos de su hermano. Pero precisamente por ello es despedida, y a Kikunosuke le prohiben verla por temor a los rumores que se desatarían por su relación con una sirvienta.

Ficha técnica
Título original: The Story of the Last Chrysanthemum (Zangiku monogatari)
Año: 1939
Duración: 2 hr 23 min
País: Japón
Director: Kenji Mizoguchi
Guion: Yoshikata Yoda
Música: Senji Ito, Shiro Fukai
Fotografía: Minoru Miki, Yozo Fuji
Reparto: Shotaro Hanayagi,  Kakuko Mori,  Kôkichi Takada,  Yôko Umemura,
Calificación: 8/10

Crítica breve de la película 

Aunque percibo cierta simplicidad en la manera en que se desarrolla la narración, esta magnífica película de Mizoguchi me asombra por su enriquecedor formalismo. Cuenta la trágica historia Kikunosuke y Otoku. Kikunosuke es un actor de teatro fracasado. Otoku es una sirvienta y la única persona que es sincera con Kikunosuke. Ambos se enamoran. Pero su camino se ve marcado por la tragedia, la miseria, el dolor y los prejuicios sociales de la era Meiji de Japón. Y Mizoguchi me comunica el destino de esos protagonistas con sutiles travellings laterales y un control compositivo del encuadre que simboliza lo que sienten en cada escena. Las actuaciones son magistrales. Rehusa utilizar el primer plano para compensar la dimensión intimista de la historia con el plano general. No hay ni un solo plano secuencia que no sea riguroso. El ritmo no decae en ningún momento. Ofrece también una importante metáfora sobre el amor más incondicional y los sacrificios de la mujer en una sociedad patriarcal intolerante. Es un melodrama parsimonioso, delicado y muy conmovedor. No podía esperar menos del gran Mizoguchi.
Sinopsis: Carmen es una adolescente gitana que vive en el extrarradio de Madrid. Como cualquier otra gitana, está destinada a vivir una vida que se repite generación tras generación: casarse y criar a tantos niños como sea posible. Pero un día conoce a Lola, una gitana poco común que sueña con ir a la universidad, dibuja graffitis de pájaros y es diferente. Carmen desarrolla rápidamente una complicidad con Lola, y ambas tratarán de llevar hacia delante su romance, a pesar de los inconvenientes y discriminaciones sociales a las que tienen que verse sometidas por su familia.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 44 min
País: España
Director: Arantxa Echevarría
Guion: Arantxa Echevarría
Música: Nina Aranda
Fotografía: Pilar Sánchez Díaz
Reparto: Zaira Morales, Rosy Rodriguez
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

La ópera prima de Arantxa Echevarría me cautiva con la historia de las dos lesbianas que intentan emanciparse del tradicionalismo cultural de la etnia gitana. Una es idealista, taciturna, con ganas de expresar lo que siente a través del arte. La otra es extrovertida, irreverente, con los pies bien puestos sobre la tierra. Lo que ambas tienen en común es que son sinceras. La narración es loable cuando soy testigo de sus inquietudes, de sus miedos, de la intolerancia que las rodea. El realismo social se conjunta con el drama más impetuoso. El uso de la elipsis, los raccords y las metáforas son muy sutiles cuando comunican, usualmente bajo el símbolo de un pájaro, las ansias de libertad de estas protagonistas que tienen su romance a escondidas. Esas dos protagonistas, interpretadas por las desconocidas Rosy Rodríguez y Zaira Romero, añaden naturalismo y una discreta capa de autenticidad que sale de la pantalla al transmitir sus emociones y sus sentimientos (son actrices no profesionales). Aunque por momentos me resulta previsible y sé para dónde va el asunto, disfruto la travesía. Es una película intimista, lúcida, de factura muy dramática.
Sinopsis: Tras el fracaso de una audición en un cabaret, Victoria Grant (Julie Andrews) camina hambrienta y desolada por las calles de la ciudad. Acuciada por el hambre, decide utilizar una estratagema para disfrutar de una suculenta comida sin tener que pagar. En el restaurante, conoce a Toddy (Robert Preston), un homosexual que no sólo le ofrece hospitalidad, sino que tiene la brillante idea de convertirla en Víctor, un travesti cuyo éxito será inmediato y espectacular. Pero la situación de Victoria se complica cuando King Marchan (James Garner), el dueño de una cadena de cabarets de Chicago, se siente irresistiblemente atraído por Víctor.

Ficha técnica
Año: 1982
Duración: 2 hr 14 min
País: Estados Unidos, Reino Unido
Director: Blake Edwards
Guion: Blake Edwards
Música: Henry Mancini
Fotografía: Dick Bush
Reparto: Julie Andrews, Robert Preston, James Garner, Lesley Ann Warren
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Siempre me parece irresistible ver cantando y bailando a la inmensa Julie Andrews. Cuando la veo tan bella y alegre me enamoro al instante de su elegante presencia. Pocas actrices han sabido combinar ambas cosas como lo hace ella. En esta película de Edwards, que es un remake del film alemán de Reinhold Schünzel (a su vez llevado al cine en varias ocasiones), me cautiva Andrews como Victoria Grant, la soprano fracasada que, para escapar de la miseria y ser exitosa, se hace pasar por un hombre que pretende ser una mujer en los cabarés parisinos de los años 30, junto a su amigo gay Toddy, interpretado maravillosamente por Robert Preston. El ambiente art déco me seduce con los números musicales y una puesta en escena que desprende encanto con su elaborada autenticidad. Hay humor, romance, una trama inteligible y una delicada metáfora sobre los estereotipos de género. Distingo asimismo una química estupenda de los intérpretes, sobre todo entre Andrews y James Garner. Es una película muy entretenida que me ha hecho pasar un buen rato.
Sinopsis: Un grupo de gángsters llega a un bar de carretera en el famoso Bosque Petrificado de Arizona, con el propósito de tomar a los ocupantes como rehenes. 

Ficha técnica
Título original: The Petrified Forest
Año: 1936
Duración: 1 hr 22 min
País: Estados Unidos
Director: Archie Mayo
Guion: Delmer Daves, Charles Kenyon
Música: Bernhard Kaun
Fotografía: Sol Polito
Reparto: Leslie Howard,  Bette Davis,  Humphrey Bogart,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Me ha entretenido bastante esta película dirigida por Archie Mayo. Mayo consigue que sea entrañable, oscura, casi existencial con su radiografía de lo estereotipos norteamericanos de los años posteriores a la Gran Depresión. Las escenas son largas, pero eficaces para la narración. Confinan en medio del desierto a un vago con un pasado agridulce, a una camarera que desea ser actriz, un abuelo hablador, una pareja de burgueses y una banda de maleantes. Estos desesperanzados personajes simbolizan una sociedad estadounidense que, por la situación social y económica, ha abandonado el sueño americano. Encuentro estupenda la química entre los intérpretes. Me agrada la de Leslie Howard como el vagabundo individualista con alma de filósofo, la de Bette Davis como la muchacha soñadora que desea ser algo más que "una rata del desierto", y la de Humphrey Bogart como el gánster aburrido que prefiere hablar con el revólver (papel que lo pondría en el radar de Hollywood). Todos ellos constituyen un final que para mi es demasiado trágico para olvidarlo.
Sinopsis: Roslyn Tabor (Marilyn Monroe), una joven que llega a Reno (Nevada) para divorciarse, conoce a un viejo vaquero (Clark Gable) y decide quedarse unos días en su cabaña. Poco después, él encuentra en las montañas una manada de caballos salvajes y decide capturarlos para vender la carne, contando con la ayuda de un vaquero especialista en rodeos (Montgomery Clift).

Ficha técnica
Título original: The Misfits
Año: 1961
Duración: 2 hr 04 min
País: Estados Unidos
Director: John Huston
Guion: Arthur Miller
Música: Alex North
Fotografía: Russell Metty
Reparto: Clark Gable,  Marilyn Monroe,  Montgomery Clift,  Eli Wallach,  Thelma Ritter
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 


Con esta película, firmada por un guion de Arthur Miller y lastrada por problemas durante el rodaje, Huston crea un retrato muy dramático sobre vidas solitarias que arrastran un pasado lleno de desilusiones y tragedias y que se sienten inadaptadas, tanto por los cambios sociales de la época como por las políticas de género que restringe sus ánimos de libertad. Hay amor, celos, lujuria, orgullo. Las actuaciones de Clark Gable (su diálogo final es como si fuera una carta de despedida), Marilyn Monroe (la última película que completó), Montgomery Clift y Eli Wallach conciben una química que es cautivadora en todas las escenas cuando interpretan a personajes rotos que han escapado del divorcio, la muerte y la decepción y lo meditan en un lugar tan taciturno como el desierto. Asimismo, a modo alegórico rompe con el mito de un viejo oeste que ha sido abandonado por el sueño americano. Es una cinta memorable.
Sinopsis: Historia de los ingenieros aeroespaciales británicos intentando romper la barrera del sonido. Tony es un exitoso piloto de combate de la Segunda Guerra Mundial. Su prometida es hija de un importante magnate que diseña aviones. La tensión entre ambos hombres conducirá a su ambición por romper la barrera del sonido con un nuevo modelo revolucionario.

Ficha técnica
Título original: The Sound Barrier
Año: 1952
Duración: 1 hr 58 min
País: Reino Unido
Director: David Lean
Guion: Terence Rattigan
Música: Malcom Arnold
Fotografía: Jack Hildyard
Reparto: Ralph Richardson,  Ann Todd,  Nigel Patrick,  Denholm Elliott,  Dinah Sheridan, Joseph Tomelty,  John Justin
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Este filme de aviones dirigido por Lean resulta muy emocionante contando la historia de unos pilotos británicos que intentan romper la barrera del sonido, enfrentándose a la incertidumbre producida por lo desconocido. Las secuencias aéreas, elaboradas con un montaje riguroso y efectivos mecanismos de sonido, producen una sensación vertiginosa cuando los pilotos caen en picada a altas velocidades, cuando navegan por el mar de las nubes confinados en las cabinas de los jets supersónicos, o cuando el uso del primer plano y los planos subjetivos transfieren la cuota de peligro a la que se exponen. Tiene tensión, drama, un giro inesperado y personajes interesantes, destacándose un soberbio Ralph Richardson como el padre estoico y rígido, obsesionado con conquistar los cielos. El plano final, que encuadra el modelo de una aeronave frente al telescopio y el cielo nocturno, es verdaderamente profético.
Sinopsis: Tina es una agente de aduanas reconocida por su eficiencia y por su extraordinario olfato. Da la impresión de poder oler la culpabilidad de un individuo. Pero cuando Vore, un hombre aparentemente sospechoso, pasa junto a ella, sus habilidades se ponen a prueba por primera vez. Tina sabe que Vore oculta algo, pero no logra identificar qué es.

Ficha técnica
Título original: Gräns
Año: 2018
Duración: 1 hr 40 min
País: Suecia
Director: Ali Abbasi
Guion: Ali Abbasi, Isabella Eklöf
Música: Christoffer Berg, Martin Derkov
Fotografía: Nadim Carlsen
Reparto: Eva Melander,  Eero Milonoff,  Viktor Åkerblom,  Joakim Olsson
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Esta película sueca de Ali Abbasi propone una radiografía desgarradora sobre la especie humana con la historia de Tina, la agente de aduanas que olfatea el miedo y la culpabilidad. Se erige con intertextos muy interesantes como la inclusión de una minoría diferente que se siente excluida de la sociedad, la relación que tienen los organismos con la naturaleza, la identidad sexual que rechaza cualquier frontera genérica, la soledad más abrumadora, la moralidad que ha sido eviscerada por la deshumanización. La mezlca de géneros es sorpresiva cada vez que cambia el tono de la trama. El realismo es crudo, inquietante y hace que las escenas más insólitas sean presentadas con sobriedad, de las que sobresale la irreconocible Eva Melander con una actuación de tres dimensiones que es muy conmovedora. Es una película compleja, perturbadora y muy original.
Sinopsis: Junta es una chica que vive sola en un monte en cuya cumbre brilla una luz azul por las noches. Los habitantes del pueblo, temerosos de esa luz, rechazan a Junta y la tachan de bruja. Sólo un visitante no hace caso de los supersticiosos y decide acercarse a la joven; los dos se sienten mutuamente atraídos.

Ficha técnica
Título original: The Blue Light (Das Blaue Licht)
Año: 1932
Duración: 1 hr 25 min
País: Alemania
Director: Leni Riefenstahl, Béla Balázs
Guion: Béla Balázs, Leni Riefenstahl
Música: Giuseppe Becce
Fotografía: Hans Schneeberger, Heinz von Jaworsky
Reparto: Leni Riefenstahl, Mathias Wieman, Beni Führer
Calificación: 7/10


Crítica breve de la película

Esta película alemana de Riefenstahl, en su debut como directora junto a Béla Balázs, me conmueve con la historia de Junta (interpretada por la misma directora), la campesina inocente que representa una parábola hermosa sobre la mujer que intenta emanciparse de la decadencia moral y que lo demuestra simbólicamente al escalar, una y otra vez, una montaña, cuya cima, atestada de diamantes, es inalcanzable para los hombres más ambiciosos de un pueblo sumido en el ostracismo. Para Riefenstahl el hombre es la perdición de la mujer, sobre todo cuando la codicia se interpone a los sentimientos más humanos. Noto, asimismo, cierta fuerza en el montaje y en el cuidado compositivo del primer plano y del gran plano general. Es una película trágica y muy cautivadora.


Mira la película completa 


Sinopsis: América española, siglo XVIII. A una pequeña ciudad llega una compañía italiana de teatro. Camilla, la estrella del espectáculo, debe elegir entre tres hombres: el Virrey, un joven oficial y un torero.

Ficha técnica
Título original: The Golden Coach (Le carrosse d'or)
Año: 1952
Duración: 1 hr 43 min
País: Francia
Director: Jean Renoir
Guion: Jean Renoir, Jack Kirkland, Renzo Avanzo, Giulio Macchi
Música: Antonio Vivaldi
Fotografía: Claude Renoir
Reparto: Anna Magnani,  Odoardo Spadaro,  Nada Fiorelli,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Me engalana la puesta en escena de esta película de Renoir que, recurriendo a la clásica historia del triángulo amoroso y un riguroso uso compositivo del sobreencuadre, honra las artes escénicas con un ingenioso discurso sobre el metateatro: la actuación es el puente entre la obra y la realidad. Su comedia no me produce gracia, pero percibo cierta pasión, celos y melodrama en las acciones de los personajes. Es vigorosa la presencia de la eterna Anna Magnani como Camilla, la música de Vivaldi enamora mis oídos, el technicolor es bellísimo y fabulesco. A pesar de la aparente simplicidad, no deja de ser una película agradable.
Sinopsis: Yumiko, una joven casada, está embarazada por primera vez. Su marido Hiroshi, que trabaja en el Ministerio de Comercio e Industria, ha subido de categoría y tiene un nuevo destino en Washington. Sin embargo, todo se derrumba cuando Hiroshi muere atropellado en un accidente de tráfico. Aunque el conductor del coche es declarado inocente, vive atormentado por el sentimiento de culpa y decide ayudar a la viuda, pero ella lo rechaza.

Ficha técnica
Título original: Scattered Clouds (Midaregumo)
Año: 1967
Duración: 1 hr 48 min
País: Japón
Director: Mikio Naruse
Guion: Nobuo Yamada
Música: Toru Takemitsu
Fotografía: Yuzuru Aizawa
Reparto: Yuzo Kayama,  Yôko Tsukasa,  Yu Fujiki,  Mie Hama,  Daisuke Katô
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

Este melodrama de Naruse, que comparte algunas similitudes estéticas con las películas de Sirk, me conmueve con el idilio constituido por la viuda y el culpable que le ha causado la desdicha. En el camino de los protagonistas hay encontronazos, discusiones, besuqueos y una pasión que se imposibilita por la lectura de las tradiciones matrimoniales de la sociedad japonesa. La química entre Yoko Tsukasa y Yuzo Kayama transmite mucha empatía. El leitmotiv seduce mi sentido del oído, percibo cierta ironía en los diálogos. La última película del director japonés es melancólica, simplista y muy emotiva.
Sinopsis: Karen (Audrey Hepburn) y Martha (Shirley MacLaine) son las directoras de una exclusiva escuela para niñas. Una alumna maliciosa y vengativa, despechada por un castigo que ha recibido, oye por casualidad un comentario y lo utiliza, distorsionándolo, para acusar a sus profesoras de una conducta reprobable. Los escandalosos rumores se extienden velozmente por la comunidad escolar, con repercusiones inmediatas y devastadoras.

Ficha técnica
Título original: The Children's Hour
Año: 1961
Duración: 1 hr 48 min
País: Estados Unidos
Director: William Wyler
Guion: Lillian Hellman
Música: Alex North
Fotografía: Franz Planer
Reparto: Audrey Hepburn,  Shirley MacLaine,  James Garner,  Miriam Hopkins
Calificación: 7/10


Crítica breve de la película

Esta película de Wyler, adaptada nuevamente de la obra de Lillian Hellman que ya había llevado al cine con el título de "These Three" (1936), elabora un argumento demoledor sobre la moralidad, los prejuicios y la calumnia que destruye las costumbres más conservadoras de un pueblo, de dos mujeres que pueden estar ocultando una sexualidad que, para la época, es algo escandaloso. Las interpretaciones de Audrey Hepburn, James Gardner y, especialmente, Shirley MacLaine tienen profundidad dramática, son convincentes en unos planos que transmiten sensaciones con las miradas y los silencios.

Sinopsis: Rosetta, una joven adinerada, después de intentar suicidarse en un hotel de Turín, conoce a Clelia, una vecina de habitación a la que confía todos sus problemas. Clelia es una joven de origen humilde que pretende abrir en la ciudad un negocio de moda.

Ficha técnica
Título original: Le amiche
Año: 1955
Duración: 1 hr 44 min
País: Italia
Director: Michelangelo Antonioni
Guion: Michelangelo Antonioni, Suso Cecchi d'Amico, Alba De Cespedes
Música: Giovanni Fusco
Fotografía: Gianni Di Venanzo
Reparto:  Eleonora Rossi Drago,  Gabriele Ferzetti,  Franco Fabrizi,  Valentina Cortese,
Calificación: 7/10