Mostrando las entradas con la etiqueta Suspenso. Mostrar todas las entradas
Mostrando las entradas con la etiqueta Suspenso. Mostrar todas las entradas
Sinopsis: El detective de la policía local (Park Doo-man) y un detective de la policía de Seúl (Seo Tae-yoon), han sido solicitados resolver un caso de asesinato producido en Corea del Sur, 1986, en el que una joven aparece brutalmente violada y asesinada en manos de un asesino desconocido. 

Ficha técnica
Título original: Salinui chueok (Memories of Murder)
Año: 2003
Duración: 1 hr 44 min
País:  Corea del Sur
Director: Bong Joon-ho
Guion: Bong Joon-ho, Shim Sung-bo
Música: Tarô Iwashiro
Fotografía: Kim Hyeong-Gyu
Reparto: Song Kang-ho,  Kim Sang-Kyung,  Kim Roe-ha, 
Calificación: 7/10


Siempre he creído que las galerías de arte son lugares muy interesantes. Conceden la libertad que los artistas necesitan para que puedan ser descubiertos y que sus obras sean expuestas ante un público amplio que los juzga mediante la observación. Uno va allí, camina por los pasillos, se codea con gente que supuestamente comparte el mismo gusto personal por el arte y disfruta apreciando las exhibiciones individuales o colectivas de pintores que, estando a las órdenes de los galeristas, esperan vender algún cuadro en su corta vida para entrar en el panteón de los grandes y no caer en el olvido absoluto. Y todo queda muy bonito y elegante por fuera, iluminado por la gallardía de los cuadros que adornan cada rincón de los corredores. Sin embargo, detrás de las cortinas se sostienen condiciones tan rígidas de valoración que simplemente se estrangula la ilusión de cualquier creador que desee acercarse. Es una cultura que establece como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus términos limítrofes. En cada evento, suceden negocios bien turbios que desvalorizan la obra de arte y reducen al autor a una mera cifra comercial al servicio de la codicia.

Dan Gilroy, director de películas como la retorcida Nightcrawler y la insulsa Roman J. Israel, Esq., se propone abordar esa crónica de los vicios del galerismo en su nueva película titulada Velvet Buzzsaw. Y me resulta insólito y algo sorpresivo porque muchas veces he reflexionado sobre esa parte oscura de la industria del arte que, en ocasiones, pasa desapercibida. La esboza como una sátira sobre el mundo del comercio del arte y de las creaciones que son arrojadas al mercado de la competitividad agresiva y del dinero fácil, de la muchedumbre kitsch que habita las exposiciones para exhibir su frivolidad debajo de una máscara de hipocresía, de los que fingen un falsificado amor por el arte para alimentar la egolatría, presentado con un reparto de coral encabezado por Jake Gyllenhaal y René Russo (repitiendo con él desde su debut como director). También con una equilibrada dosis de terror psicológico que añade cierto nivel de sofisticación a las fórmulas esquemáticas del género, poniendo a los protagonistas a sufrir como víctimas en un denso aparato de delirios sangrientos desatado por un espectro inusitado. 

Rhodora Haze (Rene Russo) y Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de la película Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

La historia de la película se ambienta en el sector del arte en la ciudad de Los Ángeles y narra las vicisitudes de unos personajes muy peculiares. Comienza en una exhibición de arte en Miami en la que seguimos al crítico de arte Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) cuando escanea con su ojo crítico los productos que son exhibidos allí. Morf es un hombre petimetre que usa su reputación para juzgar el destino de los trabajos artísticos. Y todos le temen a su criterio. En ese espacio, Morf se encuentra con Josephina (Zawe Ashton), una joven de acento británico que trabaja como asistente de una galerista muy reconocida y, también, con Rhodora Haze (René Russo), la apática dueña de una galería de arte. Luego con Gretchen (Toni Collette), una consejera de arte codiciosa que hace lo que sea para adquirir tablas valiosas y exponerlas en los museos de arte contemporáneo. Morf tiene una relación Josephina y trata de calmarla una vez que Rhodora la amenaza con arrebatarle su puesto laboral si no aumenta su desempeño.

Lo que Morf desconoce es que, días antes, Josephina se encontró por accidente una colección de pinturas en el edificio donde vive, pertenecientes a un viejo artista que, al fallecer, había expresado el deseo de que fuesen destruidas, algo que ella ve como una oportunidad para exhibirlas en la pinacoteca de Rhodora y enriquecerse con la venta. Las pinturas tienen una enigmática expresividad que hipnotiza a todos los individuos que la observan. Aunque los ejemplares consiguen la admiración de los espectadores, asimismo desatan una siniestra fuerza sobrenatural que intenta destruir la existencia de todos ellos.  

Josephina (Zawe Ashton) y Morf (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

Este collage de personalidades, interpretados por unos actores de primera categoría, son los sospechosos habituales del microcosmo del arte contemporáneo. Morf es el crítico de arte con un prestigio intachable y armado hasta los dientes de adjetivos para evaluar los paneles, sin importarle en lo más mínimo si las palabras de sus artículos hieren la sensibilidad del artista que ha pasado tanto trabajo para crear una obra. Se muestra como un individuo narcisista, frívolo, con una predilección por la prepotencia y el perfeccionismo. Josephina es la colaboradora de la galerista que sucumbe ante el oportunismo porque lo único que desea es probar el éxito y las riquezas que provee la parcela del arte. Es por esa razón que roba las pinturas y forja un trato con Rhodora, entregándoselas con el fin de obtener un beneficio una vez que se comercialicen. Rhodora, en cambio, es la galerista ambiciosa que entregaría su alma al diablo con tal de que las colecciones sean vendidas a los clientes; ostenta una posición de poder y la utiliza para monopolizarlo todo, subastar los bosquejos a precios exorbitantes y garantizar así la fortuna de otros artistas como Piers (John Malkovich) y Damrish (Daveed Diggs), quienes se niegan a participar en los comercios nebulosos de los galeristas para dedicar toda su pasión al oficio.

Aunque no todas las piezas preservan la misma consistencia, los personajes que veo son sólidos y muy complejos. Me cautivan cuando sus obsesiones son reveladas, como si se tratara de un retrato que refleja las miserias de los vividores que transitan por el orbe del galerismo y que repudian los sacrificios de los autores. Un mosaico de figuras vacías que prolonga el ciclo de cosificación del arte dentro de una burbuja económica y manipulan a su antojo a los artistas que dejan su creatividad detrás del lienzo. Son personas que descubren el significado del miedo y la inseguridad a través del espíritu torturado de un pintor que se revela contra la superficialidad y la ruindad de aquellos que se interponen en el camino del arte. Todos ellos, exceptuando  Piers y Damrish, son víctimas de la venganza programada del arte de Vetril Dease (personaje basado en la biografía del ilustrador marginal Henry Darger), el cual regresa para asesinarlos utilizando los trabajos de arte por los que ellos han sentido algún tipo de vilipendio.

Josephina (Zawe Ashton) horrorizada en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

Gilroy, quien también ha firmado el guion, elabora la puesta en escena con un tratamiento estético que adorna los interiores por los que circulan los protagonistas, manteniendo en cada plano un equilibrio apropiado entre la belleza compositiva y la violencia estilizada, con colores impávidos que notifican la frialdad aparente de todos ellos. Logra secuencias impactantes, como la de Gretchen desangrándose frente a una escultura esférica, o la de Josephina con las láminas que salen de los cubículos con la intención de pintarla hasta ahogarla en un colorido mural. Sus personajes estimulan mis sentidos, son provocativos, especialmente el articulista Morf Vandewalt que interpreta el meticuloso Jake Gyllenhaal (una especie de parodia a la figura del crítico universal) y la magnética galerista interpretada por Zawe Ashton que, siendo desconocida para mí, estampa un rol de mucha intensidad que en ningún momento me permite quitarle los ojos de encima. Curiosamente en algunas escenas se aferra al sobreencuadre y al contraplano para construir planos subjetivos desde la óptica de los frescos que cuelgan de la pared, como si se tratase de objetos que contemplan a los observadores.

Morf Vandewalt (Jake Gyllenhaal) en un fotograma de Velvet Buzzsaw. Imagen cortesía de Netflix.

La película es estimulante cuando encuadra su crítica de los esnobistas del arte que están a merced de una represalia taumatúrgica, en un rompecabezas que maneja los mecanismos del horror supernatural y el slasher más recóndito para comunicar metáforas sobre la naturaleza de un arte que, como acto de invención humano, preserva su esencia en la eternidad, hallándose por encima de la descomposición moral y de cualquier avaricia corporativista. Posee diálogos sutiles, un ritmo que es constante, una química maravillosa del reparto y una artificialidad calculada que se corresponde correctamente con las frivolidades del mundillo del arte que se describe en la trama. Encierra una ambigüedad que la hace impredecible. Se trata de un regreso formal del señor Gilroy. Su concepto sobre los marchantes del arte es original, pesadillesco, escalofriante. Está ejecutada con un estilismo que me entretiene, caigo rendido inmundamente ante los efectos de su locura.

Ficha técnica
Año: 2019
Duración: 1 hr 53 min
País:  Estados Unidos
Director: Dan Gilroy
Guion: Dan Gilroy
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Jake Gyllenhaal,  René Russo,  Zawe Ashton,  Toni Collette,  John Malkovich, Tom Sturridge,
Calificación: 7/10





¿Qué piensas de esta película? ¿te ha gustado?


Sinopsis: Un hombre atrapado en el Ártico después de un accidente aéreo debe decidir si permanecer en la relativa seguridad de su campamento improvisado o embarcarse en un viaje mortal a través de lo desconocido.

Ficha técnica
Título original: Arctic
Año: 2018
Duración: 1 hr 38 min
País: Islandia
Director: Joe Penna
Guion: Joe Penna, Ryan Morrison
Música: Joseph Trapanese
Fotografía: Tómas Örn Tómasson
Reparto: Mads Mikkelsen,  Maria Thelma Smáradóttir
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Este drama de supervivencia, que representa el debut del director y 'youtuber' brasileño Joe Penna, me atrapa con la historia del hombre perdido en un desierto helado que intenta sobrevivir a unas condiciones infrahumanas. Ese hombre es Overgård y lo interpreta un magnífico Mads Mikkelsen, quien lleva su físico al límite y transforma su rostro en una catarsis de angustia cuando el personaje se halla varado en algún lugar del Ártico junto a su único refugio: el avión accidentado que pilotaba. En ese lugar tan inhóspito, permanece en su campamento improvisado, y observo la cuidadosa rutina que consiste en pescar unos peces escondidos en las profundidades del glaciar para tener algo de comida, mapear su entorno para saber el sitio exacto en el que se encuentra, ejecutar una baliza de emergencia con una dínamo y tallar en las rocas congeladas la típica señal SOS. Y aunque conozco muy bien los subterfugios narrativos que están presentes en el argumento, me cautiva lo que veo cuando el protagonista lucha contra una naturaleza que lo maltrata durante el frío trayecto. La puesta en escena aprovecha la utilidad del gran plano general, el plano entero, algunas modalidades del plano medio, una gélida tonalidad de color, una partitura estridente y, sobre todo, los silencios, para crear una atmósfera agobiante que comunica el aislamiento Overgård y la densa hostilidad climática a la que se enfrenta. También un retrato sobre el significado de la fuerza de voluntad y la esperanza en esos momentos críticos en los que todo parece perdido. Es intimista, angustiosa, conmovedora. Una sólida película de supervivencia humana.
Sinopsis: En octubre de 1962, una serie de fotografías aéreas obtenidas por aviones norteamericanos revelaron que los soviéticos estaban instalando en la isla de Cuba misiles que podrían alcanzar gran parte de los Estados Unidos. Para obligar a la URSS a desmantelarlos, el presidente John F. Kennedy y sus colaboradores decidieron el bloqueo de la isla.

Ficha técnica
Título original: Thirteen Days
Año: 2000
Duración: 2 hr 25 min
País: Estados Unidos
Director: Roger Donaldson
Guion: David Self
Música: Trevor Jones
Fotografía: Andrzej Bartkowiak
Reparto: Kevin Costner,  Bruce Greenwood,  Steven Culp,  Dylan Baker,  Michael Fairman,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Me parece vertiginoso y muy palpitante lo que sucede en este thriller político, dirigido por Roger Donaldson, sobre uno de los momentos de mayor tensión de la administración de Kennedy: la crisis de los misiles de Cuba. El suspenso que siento en todas las escenas no me da tiempo ni para respirar cuando veo a los burócratas de saco y corbata encerrados, mayormente, en el Despacho Oval de la Casa Blanca tomando decisiones diplomáticas para impedir que la Guerra Fría termine en una catástrofe nuclear de proporciones incalculables. Son intrigantes las discusiones que esos hombres sostienen en la oficina, utilizadas por Donaldson para desarrollar un comentario político sobre los choques de poder en los altos círculos burocráticos (cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia), representado con los encontronazos que tienen los seguidores de Kennedy con los tercos generales de raíces conservadoras que están obsesionados con la guerra a toda costa. Los personajes están bien interpretados por un reparto estupendo encabezado por Kevin Costner como el asesor político de Kennedy, Kenny O'Donnell, y, también, por Bruce Greenwood como el presidente John F. Kennedy. El diseño de producción concibe una autenticidad del período que deja a mis retinas muy convencidas de lo que ven. La música acrecienta la moderada carga patriótica, la cual tolero porque se trata de la policía del mundo. Puede que el montaje desequilibre un poco el ritmo en el tercer acto y que se vuelva previsible porque se sabe de antemano el resultado, pero es una película que logra sostenerse sutilmente durante dos horas y media que pasan volando. Es vibrante, tensa y muy entretenida.
Sinopsis: Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un joven y brillante abogado que nunca ha perdido un caso. Vive en Florida y es feliz junto a su esposa Mary Ann (Charlize Theron). Un día, recibe la visita de un abogado de Nueva York que representa a un poderoso bufete que tiene la intención de contratarlo. Al frente de la prestigiosa empresa se encuentra John Milton (Al Pacino), un hombre mundano, brillante y carismático, que alberga planes muy oscuros con respecto a Lomax.

Ficha técnica
Título original: The Devil's Advocate
Año: 1997
Duración: 2 hr 24 min
País: Estados Unidos
Director: Taylor Hackford
Guion: Jonathan Lemkin, Tony Gilroy
Música: James Newton Howard
Fotografía: Andrzej Bartkowiak
Reparto: Keanu Reeves,  Al Pacino,  Charlize Theron,  Jeffrey Jones,  Judith Ivey,  Debra Monk, Craig T. Nelson,  Connie Nielsen,
Calificación: 7/10


Sospecho que al director Jordan Peele ha llegado a un estatus en el que puede hacer lo que le dé la gana en Hollywood. Las dos películas que ha dirigido (en el momento en que escribo estas líneas) no solo han revitalizado el decadente género del terror haciendo que muchísima gente se interese por ellas, sino que, también, han recaudado una millonada tal en la taquilla que, imagino que tiene muy contentos a los ejecutivos de la Universal para que él haga lo que desee. Una de ellas es Get Out, la ópera prima de bajo presupuesto con la que debutó en 2017 y con la que me propició muchos sustos cuando atestiguaba su tesis de terror social sobre los prejuicios raciales. El éxito garantizado de Get Out le hizo dirigir la otra película. Se trata de Us. Y es otra propuesta de terror con un comentario social, pero ahora apuesta por el clásico argumento del doppelgänger para crear algo insólito y visceral. 

Con esta película, Peele experimenta nuevamente con el terror psicológico y los subterfugios del subgénero de home invasion, pero con la intención de utilizar el tema del doble malvado para concebir una poderosa parábola sociopolítica sobre una desigualdad que está presente en todos los estratos de la sociedad estadounidense. Su narrativa es ligera, retorcida, inquietante. Casi no siento los sustos, pero el suspenso me atrapa. Los giros de la trama me sorprenden. La musicalización es correcta. Combina el ritmo con una porción mesurada de violencia, humor y una atmósfera tan apocalíptica como ilusoria. Cuando vislumbro esas lecturas, el miedo cobra sentido y me creo tan despavorido como la familia afroamericana que intenta sobrevivir a la catástrofe. Observo asimismo una estupenda actuación de la camaleónica Lupita Nyong’o. Su presencia eleva la narración que por intervalos es previsible. Es un ejercicio de género que, además de entretener con su horror fantástico, me invita a reflexionar.  

La historia de la película nos pasea por las vicisitudes de una familia afroamericana, desde la óptica de la matriarca, Adelaide Wilson (Lupita Nyong’o); una mujer que en la infancia, visitando un parque de diversiones con sus padres en la playa de Santa Cruz, sufrió un trauma psicológico al entrar en una casa maldita llena de espejos, descubriendo a una muchachita idéntica a ella. Superada la herida en la adultez, Adelaide vive con su esposo, Gabe (Winston Duke), y sus dos hijos, Zora (Shahadi Wright Joseph) y Jason (Evan Alex), en una residencia en California. Son una familia pudiente. Aprovechando el verano, deciden irse de vacaciones a una casa de veraneo situada en un bosque en los alrededores de un lago y muy cercana a la playa donde transcurrió el incidente de Adelaide. Todo sigue su curso normal. No obstante, una noche la familia recibe la visita inesperada de cuatro seres siniestros vestidos de rojo,  todos cogidos de la mano como si estuviesen simbolizando una unión. Se ponen en pie delante de la vivienda. Uno de ellos sostiene una tijera larguísima en sus manos. Adelaide y su familia se sienten amenazados. Y pronto descubren que los individuos fantasmales son los dobles de ellos mismos. 

Peele, con guion firmado por él mismo, evade los regodeos narrativos y las explicaciones innecesarias para ir directo al grano: a poner a la familia Wilson a sufrir en circunstancias aberrantes para que, en medio de la noche más aterradora y del amanecer de los muertos, se mantengan unidos ante la adversidad. El terror automatizado que atraviesan desnuda el lado más oscuro de la condición humana y logra que ellos puedan conocerse a sí mismos, mientras resisten a la invasión de gemelos anómalos con voces guturales. En el camino de ellos hay pugnas a tijerazos, niños incendiados como mártires, cadenas humanas a prueba de muros marca Trump y referencias bíblicas que reflejan el pandemónium. Peleando con su propia sombra, cada miembro de la familia Wilson aprende a superar sus temores internos, a remodelar lo que conocían como moralidad, a reflexionar sobre las cosas que deshumanizan y dividen al hombre. La más afectada es la protagonista, Adelaide, quien combatiendo a su doppelgänger, Red, conoce los males laminados en la realidad cotidiana como el hambre, la pobreza, la inequidad. Pero, también, aprende a ser una mujer robustecida que reconoce el significado verdadero de ser madre. 

Poco me importa que la trama elaborada por Peele no indague en la supuesta naturaleza de los dobles o en algunas situaciones arregladas a favor de la familia afroamericana, que bien podría salirse de los componentes del género. La hipérbole está justificada. Lo que me interesa es la manera tan lúcida en que son presentados los paralelismos alegóricos entre clases sociales. Entre los pobres y los ricos. Entre los negros y los blancos. Los claroscuros de cualquier colectividad capitalista. Las entelequias vestidas de carmesí encarnan las minorías de personas que viven oscurecidas en la miseria absoluta, que han sido evisceradas por la exclusión, que no tienen techo para vivir, que recogen el menú del basurero para encontrar algo de comida cuando tienen hambre, que visten de un rojo ensangrentado que evoca sacrificio para exigir un trato más humano, que manejan las tijeras para romper las cadenas de esa esclavitud. Se esconden tras las sombras de una mayoría de individuos que han sido iluminados con el bienestar social (simbolizado con conejos). La familia Wilson y la familia de vecinos caucásicos, Josh (Tim Heidecker), Kitty Tyler (Elisabeth Moss) y sus dos hijas, forman parte de esa división étnica y social que refleja, a modo de metáfora, la disconformidad engendrada por el mercantilismo más feroz en el mundo del consumo. 

Con estos textos sobre la pantalla, Peele edifica una película de terror novedosa que, a pesar de la aparente predictibilidad en la que sé con antelación que la familia negra va a subsistir por la fuerza, me ha mantenido enganchado del asiento durante dos horas que pasan volando. La estética de su mundo es pesadillesca, me resulta muy atrayente. El leitmotiv de Luniz, I Got 5 on It, me trae recuerdos. La actuación doble de Lupita Nyong’o me transmite espantos muy marcados. Lo más irónico, sin embargo, me pasó al salir del cine luego de verla. Caminaba por la acera en medio de la oscuridad. Era de noche. Llovía mucho. No tenía sombrilla. De repente, como la luz de un rayo en la tormenta más agitada, me iluminó un anuncio publicitario que decía: “todos somos iguales en dignidad y derechos.” Me detuve a pensar en medio de la lluvia. El anuncio me sacó una sonrisa de esas que son irónicas. Creo que a eso se refiere el “nosotros” de la película. Y su antítesis es el terror que todos ignoramos, ese que reside en nuestro interior que hace que nos fraccionemos.


Ficha técnica
Año: 2019
Duración: 1 hr 59 min
País: Estados Unidos
Director: Jordan Peele
Guion: Jordan Peele
Música: Michael Abels
Fotografía: Mike Gioulakis
Reparto: Lupita Nyong'o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker
Calificación: 7/10







Sinopsis: Adelaide Wilson es una mujer que vuelve al hogar de su infancia en la costa junto a su marido, Gabe, y sus dos hijos, para una idílica escapada veraniega. Después de un tenso día en la playa con sus amigos, Adelaide y su familia vuelven a la casa donde están pasando las vacaciones. Cuando cae la noche, los Wilson descubren la silueta de cuatro figuras cogidas de la mano y en pie delante de la vivienda.

Sinopsis: En una isla viven los Borg: Johan, que es pintor, y su mujer Alma. Sus vecinos, los siniestros Von Merken, poseen un círculo de amistades tan escalofriante que Johan comienza a obsesionarse con la idea de que los demonios lo acechan.

Ficha técnica
Título original: Vargtimmen
Año: 1968
Duración: 1 hr 30 min
País: Suecia
Director: Ingmar Bergman
Guion: Ingmar Bergman
Música: Lars Johan Werle
Fotografía: Sven Nykvist
Reparto: Max von Sydow,  Liv Ullmann,  Erland Josephson,  Gertrud Fridh,  Ingrid Thulin,
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película 

En esta película sueca, Bergman experimenta con el terror psicológico para construir una tesis aguda sobre el adulterio, los celos y los miedos que constituyen la identidad, desde la óptica de un matrimonio que se resquebraja. Y todo es muy sutil, realista, casi autobiográfico. Me intriga la trama del pintor y su mujer que, aislados en una isla escandinava, se convierten en víctimas de un aquelarre de burgueses espectrales. Él, siente la culpa; ella, siente el dolor. En cada una de sus escenas se crea un hálito de pesadilla y de suspenso cuando son encuadrados con el uso del primer plano. Y también me agobia cuando sus rostros se bañan con esa iluminación intensa que los golpea desde arriba. Las actuaciones de los recurrentes de Bergman, Max von Sydow y Liv Ullmann, son estupendas y las percibo de tres dimensiones. Sus diálogos invocan la filosofía más destilada. El prolongado racconto es inteligible. El estilo de falso documental es ingenioso y metacinematográfico. Es una película menor en la prodigiosa filmografía del director, pero es una que no se olvida tan fácil una vez que se funde a negro.
Sinopsis: David Locke (Jack Nicholson) es un desilusionado periodista que emprende una peligrosa investigación sobre las intrigas políticas internacionales que facilitan la implantación de regímenes dictatoriales en algunos países africanos, lo que le hará vivir situaciones muy arriesgadas. 

Ficha técnica
Título original: The Passenger (Professione: reporter)
Año: 1975
Duración: 2 hr 01 min
País: Estados Unidos
Director: Michelangelo Antonioni
Guion: Mark Peploe, Michelangelo Antonioni, Peter Wollen
Música: Ivan Vandor
Fotografía: Luciano Tovoli
Reparto: Jack Nicholson,  María Schneider,  Jenny Runacre,  Ian Hendry, 
Calificación: 8/10

Crítica breve de la película 

Esta película de Antonioni tiene una cualidad hipnótica que despierta en mi interior reflexiones profundas con la historia del periodista desilusionado que ha sido testigo del costo humano de la guerra a través de los documentales que filma. Presenta un estudio sobre el ostracismo, la identidad y la alienación. El halo nihilista del protagonista, ilustrado al desaparecer suplantando la identidad del muerto, forma una parábola poderosa sobre la imposibilidad de escapar de la estructuras sociales y de la deshumanización provocada por los asuntos políticos más soeces. Me asombro con las magníficas actuaciones de Jack Nicholson y Maria Schneider. Quedo extasiado por el riguroso empleo del sobreencuadre, el reencuadre, el fuera de campo, el sonido diegético y los prodigiosos colores. No hay ni una escena que no me parezca grandiosa. El plano secuencia del final está elaborado con una maestría tal que, como pasajero del film, casi salto del asiento. Es una película memorable de la que voy a pensar durante mucho tiempo.
Sinopsis: Tina es una agente de aduanas reconocida por su eficiencia y por su extraordinario olfato. Da la impresión de poder oler la culpabilidad de un individuo. Pero cuando Vore, un hombre aparentemente sospechoso, pasa junto a ella, sus habilidades se ponen a prueba por primera vez. Tina sabe que Vore oculta algo, pero no logra identificar qué es.

Ficha técnica
Título original: Gräns
Año: 2018
Duración: 1 hr 40 min
País: Suecia
Director: Ali Abbasi
Guion: Ali Abbasi, Isabella Eklöf
Música: Christoffer Berg, Martin Derkov
Fotografía: Nadim Carlsen
Reparto: Eva Melander,  Eero Milonoff,  Viktor Åkerblom,  Joakim Olsson
Calificación: 7/10

Crítica breve de la película

Esta película sueca de Ali Abbasi propone una radiografía desgarradora sobre la especie humana con la historia de Tina, la agente de aduanas que olfatea el miedo y la culpabilidad. Se erige con intertextos muy interesantes como la inclusión de una minoría diferente que se siente excluida de la sociedad, la relación que tienen los organismos con la naturaleza, la identidad sexual que rechaza cualquier frontera genérica, la soledad más abrumadora, la moralidad que ha sido eviscerada por la deshumanización. La mezlca de géneros es sorpresiva cada vez que cambia el tono de la trama. El realismo es crudo, inquietante y hace que las escenas más insólitas sean presentadas con sobriedad, de las que sobresale la irreconocible Eva Melander con una actuación de tres dimensiones que es muy conmovedora. Es una película compleja, perturbadora y muy original.

El cine del director danés Lars von Trier siempre ha desatado polémica cuando presenta películas que resultan subversivas para los espectadores que actúan como los jueces de la moral, aunque eso no impide que casi todas sean maravillosas. Los temas edificados en sus películas hablan de la crueldad soterrada del mundo, de la angustia y el sacrificio de gente que es maltratada por una sociedad intolerante, de lo absurdo que puede ser la existencia ante el destino, de la sexualidad que desnuda los prejuicios del hombre y de la mujer, de la violencia que lleva la transgresión hasta los límites más insospechados de la censura, del arte que rompe con la estratósfera de la racionalidad. Está constituido de códigos abstractos y de una narrativa rigurosa que pueden partir de una provocación para suscitar una idea poética más elevada.

En su última película, The House That Jack Built, Von Trier hace justamente esto: provocar, pero regresando a la brillantez por la que se ha caracterizado su estilo, empleando el formalismo más rupturista para crear algo novedoso en el género del terror psicológico. Narra la historia de Jack, un homicida sofisticado, para elaborar una metáfora poderosísima sobre la función que tiene el arte como una forma de expresión humana alejada de cualquier rastro de moralidad; una que es universal y que, con insertos muy simbólicos, nos pasea por cosas tan preciosas como la música, la arquitectura, la escultura, la literatura, la poesía, la fotografía y la pintura. Sus diálogos tienen vocación por la filosofía más sobria, y la narración fluye como la barca de Dante en las aguas de la laguna Estigia.

La historia de la película, dividida en cinco incidentes sin orden cronológico específico, describe la vida de Jack (Matt Dillon), el asesino en serie que tiene el pasatiempo de ser misántropo, en el transcurso de 12 años durante la década de los setenta y los ochenta en el estado de Washington. En ese tiempo, manejando una peculiar camioneta roja, se dedica a buscar mujeres para asesinarlas brutalmente y almacenar sus cadáveres en un congelador industrial, donde las conserva cuidadosamente disecadas, pero lo hace con un propósito mayor. Como Jack ha fracasado como ingeniero, recurre a la arquitectura [del asesinato] para ser un artista, pues su sueño es construir una residencia gigante con los materiales adecuados [restos] para poder vivir. Para Jack, ultimar personas es una especie de arte. A lo largo del film, no obstante, por medio de una voz en off sostiene conversaciones con Verge (Bruno Ganz), un personaje misterioso que se halla fuera de campo, relatando a detalle los sucesos, algunas de las cuales incluyen el arte, la filosofía, la ética, la cultura y la mirada amoral que Jack tiene sobre el mundo.

El argumento de la película propone que el Señor Sofisticación (como la prensa apoda a Jack), con su gélida y compulsiva personalidad, visualiza una obra de arte en cada uno de los crímenes que ejecuta. Y el pensamiento de concebir una nueva obra le puede llegar a Jack en cualquier momento o calculando meticulosamente sus acciones, como en la escena en la que se encuentra a una mujer (Uma Thurman) estacionada en la carretera porque necesita ayuda y, luego de ayudarla, la mata golpeándola en la cara con un gato por hablar demasiado. También al presentarse en la vivienda de una señora fingiendo ser policía y un agente de seguros que, garantizándole un aumento de pensión, termina ahorcándola con sus propias manos cuando lo deja entrar. O la chocante escena en la que se va de picnic y de cacería por el bosque con una mujer y sus dos hijos y les dispara a sangre fría con un rifle de alto calibre, todo para componer un lienzo en la tierra con los cuerpos de los tres y varios cuervos muertos. 

El acto transgresivo, representado por "el homicidio", es la catarsis que libera al artista (Jack) de las cadenas de la crisis creativa, tal y como Jack le dice a Verge: “no mires los actos, mira las obras”.

La estética impecable de la cinta resalta la agitada subjetividad de Jack recurriendo a los medios usuales acomodados por Von Trier: una cámara en mano que sigue a Jack constantemente y que, a través de un montaje muy rítmico, intensifica su mirada con primeros planos agobiantes y con planos de inserto colmados de imágenes históricas que se yuxtaponen, paralelamente, a las contravenciones que realiza. La música extradiegética, que va desde Bowie hasta Bach, también sirve para precisar el estado de ánimo de Jack y para dimensionar su nivel de satisfacción tras una labor ejecutada. Asimismo, los instrumentos de trabajo con los que Jack compone las obras están pintados de un color rojo que simboliza, tanto las emociones que Jack siente al cometer el crimen, como la consecuente violencia y el peligro al que se exponen sus víctimas. Son recursos estéticos que fortalecen la naturaleza episódica del relato y la figura del protagonista.

Con esta fábula al servicio de la perversidad y del humor negro más consecuente, Von Trier esculpe nuevamente una película que es tan cautivadora como provocativa, con una actuación sumamente metódica de un soberbio Matt Dillon. Ilustra (con claras referencias a Blake, Alighieri, Delacroix, Goethe y el mismo cine del realizador) los claroscuros interminables de los mitos del artista, diciéndonos que este crea, destruye y está condenado a incinerarse en las profundidades de un infierno cuando abandona su arte, como le sucede a Jack, en una de las secuencias más magníficas y oníricas de toda la película, al ser interrumpido por la muerte (el Virgilio de la Divina Comedia) cuando intenta erigir su obra maestra alineando a cinco hombres amarrados de distintas etnias para dispararle a corta distancia con una sola bala, pero que, irónicamente, termina haciendo otra obra: su anhelada casa; acto que es una alegoría extraordinaria del potencial que tiene el arte para unificar a la humanidad y para condenar de manera maldita al poseedor del ingenio. Es una película fascinante.


Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 2 hr 32 min
País: Dinamarca
Director: Lars von Trier
Guion: Lars von Trier
Música: 
Fotografía: Manuel Alberto Claro
Reparto: Matt Dillon,  Bruno Ganz,  Uma Thurman,  Riley Keough,  Sofie Gråbøl,
Calificación: 8/10







Sinopsis: Estados Unidos, década de 1970. Seguimos al brillante Jack durante un período de 12 años, descubriendo los asesinatos que marcarán su evolución como asesino en serie. La historia se vive desde el punto de vista de Jack, quien considera que cada uno de sus asesinatos es una obra de arte en sí misma.
Sinopsis: Laurie Strode llega a la confrontación final con Michael Myers, la figura enmascarada que la ha perseguido desde que escapó de la matanza que él cometió la noche de Halloween de hace cuatro décadas.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 46 min
País: Estados Unidos
Director: David Gordon Green
Guion: David Gordon Green, Danny McBride, Jeff Fradley
Música: John Carpenter, Cody Carpenter, Daniel A. Davies
Fotografía: Michael Simmonds
Reparto:  Jamie Lee Curtis,  Nick Castle,  Judy Greer,  Miles Robbins
Calificación: 7/10

Sinopsis: Alice (Madeline Brewer) es una cam girl que trabaja en una website para adultos y que intenta mantener su vida privada al margen. Un día, cuando intenta loguearse, descubre que alguien está utilizando su perfil: una réplica exacta de ella misma.

Ficha técnica
Año: 2018
Duración: 1 hr 34 min
País: Estados Unidos
Director: Daniel Goldhaber
Guion: Isa Mazzei
Música: Gavin Brivik
Fotografía:  Katelin Arizmendi
Reparto:  Madeline Brewer, Samantha Robinson, Patch Darragh
Calificación: 7/10
Sinopsis: Asger Holm, un oficial de policía, ha sido suspendido temporalmente de sus funciones y relegado a operador del servicio de emergencias. Durante su rutinario turno de noche, recibe la extraña llamada de una mujer aterrada. A pesar de su reacción de sorpresa, Asger se da cuenta de que la mujer al otro lado del teléfono ha sido secuestrada, y es entonces cuando comenzará la búsqueda.

Ficha técnica
Título original: The Guilty (Den skyldige)
Año: 2018
Duración: 1 hr 24 min
País: Dinamarca
Director: Gustav Möller
Guion: Gustav Möller, Emil Nygaard Albertsen
Música: Caspar Hesselager, Carl Coleman
Fotografía:  Jasper J. Spanning
Reparto:  Jakob Cedergren, Jessica Dinnage, Omar Shargawi
Calificación: 7/10
Sinopsis: La historia real de Ashraf Marwan, el yerno del Presidente Nasser y el confidente y asesor personal de su sucesor Anwar Sadat, mientras que simultáneamente es el activo más valioso de la Inteligencia israelí del siglo XX.

Ficha técnica
Título original: The Angel
Año: 2018
Duración: 1 hr 51 min
País: Estados Unidos, Israel
Director: Ariel Vromen
Guion: David Arata
Música: Pinar Toprak
Fotografía: Terry Stacey
Reparto:  Marwan Kenzari, Toby Kebbell, Hannah Ware, Waleed Farouq Zuatier
Calificación: 7/10
Sinopsis: Después de que la hija de 16 años de David Kim desaparece, se abre una investigación policial. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija. David debe rastrear las huellas digitales de su hija antes de que desaparezca para siempre.

Ficha técnica
Título original: Searching
Año: 2018
Duración: 1 hr 42 min
País: Estados Unidos
Director: Aneesh Chaganty
Guion: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian
Música: Torin Borrowdale
Fotografía: Juan Sebastian Baron
Reparto:  John Cho,  Debra Messing,  Joseph Lee,  Michelle La,  Sara Sohn
Calificación: 7/10
Sinopsis: La percepción de la realidad de una actriz (Laura Dern) se va distorsionando cada vez más. Al mismo tiempo descubre que, quizá, se está enamorando de su partenaire (Justin Theroux) en un remake polaco inconcluso y supuestamente maldito.

Ficha técnica
Título original: Inland Empire
Año: 2006
Duración: 3 hr 00 min
País: Estados Unidos
Director: David Lynch
Guion: David Lynch
Música: David Lynch
Fotografía: David Lynch, Odd Geir Sæther
Reparto: Laura Dern,  Justin Theroux,  Harry Dean Stanton,  Grace Zabriskie,  Jeremy Irons,
Calificación: 7/10
Sinopsis: James Bond se dirige a Las Bahamas para recuperar dos ojivas nucleares robadas por el agente SPECTRE Emilio Largo en un plan de extorsión internacional.

Ficha técnica
Título original: Thunderball 
Año: 1965
Duración: 2 hr 10 min
País: Reino Unido
Director: Terence Young
Guion: Richard Maibaum, John Hopkins
Música: John Barry
Fotografía: Ted Moore
Reparto: Sean Connery,  Claudine Auger,  Adolfo Celi,  Luciana Paluzzi,
Calificación: 7/10
Sinopsis: El robo de un dispositivo capaz de descifrar complicadas comunicaciones está poniendo en peligro importantes investigaciones con respecto al gobierno ruso. James Bond, el agente 007 de los Servicios Secretos Británicos al servicio de Su Majestad, viajará hasta la Unión Soviética con el fin de encontrar a su objetivo.

Ficha técnica
Año: 1963
Duración: 1 hr 55 min
País: Reino Unido
Director: Terence Young
Guion: Richard Maibaum, Johanna Harwood
Música: John Barry
Fotografía: Ted Moore
Reparto: Sean Connery,  Robert Shaw,  Daniela Bianchi,  Lotte Lenya,  Bernard Lee, Lois Maxwell,  Pedro Armendáriz,
Calificación: 7/10
Sinopsis: En un país centroeuropeo, el tren Transcontinental Express sufre un gran retraso a causa del mal tiempo. Los pasajeros pernoctan en un pequeño hotel, donde Iris Henderson entabla conversación con una vieja institutriz inglesa, la señora Froy. Poco después de reanudar el viaje, Iris se da cuenta de la desaparición de la anciana, pero los demás pasajeros afirman que su amiga no existe y que ella ha sufrido una alucinación.

Ficha técnica
Título original: The Lady VanishesAño: 1938
Duración: 1 hr 36 min
País: Reino Unido
Director: Alfred Hitchcock
Guion: Sidney Gilliat, Frank Launder
Música: 
Louis Levy
Fotografía: Jack Cox
Reparto: Margaret Lockwood,  Michael Redgrave,  Dame May Whitty,  Paul Lukas, Basil Radford,  Naunton Wayne,  Cecil Parker
Calificación: 7/10
Sinopsis: Cuatro jóvenes confunden sus vidas con una película e intentan uno de los robos más audaces en la historia de los Estados Unidos.

Ficha técnica
Título original: American Animals
Año: 2018
Duración: 1 hr 56 min
País: Estados Unidos
Director: Bart Layton
Guion: Bart Layton
Música: Anne Nikitin
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Evan Peters,  Blake Jenner,  Barry Keoghan,  Jared Abrahamson,
Calificación: 7/10